1.1. Fotografía ✔️ es la técnica de grabar imágenes mediante luz captura en un medio sensible a la luz, tal como un sensor o película. Patrones de luz reflejada o emitida desde los objetos se registran en un chip de medio de almacenamiento o sensible a través de un tiempo de exposición. El proceso más común se realiza a través de dispositivos mecánicos, químicos o digitales conocidas como cámaras.

 Introducción a la Fotografía

La palabra proviene de las palabras griegas Phos, y Graphis «stylus» «luz», «pincel» o «representación por medio de líneas» o «dibujo», junto significa «dibujar con luz». Tradicionalmente el producto de la fotografía ha sido llamado una fotografía. El término foto es una abreviatura; muchas personas también los llaman imágenes. En la fotografía digital, la imagen término ha comenzado a reemplazar fotografía de la imagen término es tradicional en la óptica geométrica.

1.2. Cámaras fotográficas

La cámara es el dispositivo de formación de imágenes, y la película fotográfica es el medio de grabación. Una cámara funciona un poco como el ojo humano, la captura de la luz reflejada por los objetos ya través de un lente de la cámara y enfocar los rayos de luz en una imagen. Tradicionalmente cámaras graban la imagen en una placa. Más

Recientemente a través del desarrollo de chips de computadoras, muchas cámaras capturan sus imágenes en un chip de ordenador. El chip de ordenador permite entonces la conversión de la imagen a los datos digitales. A pesar de

si la fotografía es la película o basado en digital, las imágenes pueden hacerse permanentes y vistos por un número ilimitado de personas.

Fotógrafos controlar la cámara y la lente a «exponer» el material de registro de luz por lo general película o un dispositivo de carga acoplada; un metal-óxido-semiconductor complementario también se puede utilizar para la cantidad requerida de la luz. Después del procesamiento, esto produce una imagen.

Tipos de cámara

• SLR Single Lens Reflex : El visor ve la misma imagen que el objetivo principal, es decir, lo que ves es lo que obtienes. SLR también le permite cambiar las lentes para diferentes propósitos. Este es un tipo muy popular de la cámara, más o menos el estándar para los aficionados y profesionales.

• Visor o gama inder f): En este tipo de cámara del visor es independiente a la lente. Esto es común en cámaras baratas, aunque algunas cámaras profesionales también utilizan esta configuración. El principal problema con un visor separado es que la imagen que se ve puede no ser exactamente lo mismo que la imagen que se graba. Esta limitación se supera en las cámaras profesionales mediante el uso de visores que compensan las diferentes posiciones. visor cámaras tienen algunas ventajas; por ejemplo, un ruido más bajo y más altos niveles de luz al visor.

• reflejo gemelo: La cámara tiene dos lentes – uno para la fotografía y una para el visor. Este tipo de cámara tiene ciertas ventajas en algunas situaciones profesionales.

• Ver: Un fuelle flexible se une a dos normas – uno con la lente y el otro con el visor o película. Esto permite que para este tipo de inusuales de composición; por ejemplo, la distorsión de la forma de la imagen por sesgar el plano de la película.

• Agujerito: Una muy simple cámara sin un objetivo.

Los controles incluyen generalmente, pero no están limitados a lo siguiente:

Foco de la lente

• Apertura de la lente – ajuste del iris, medido como el número f, que controla la cantidad de luz que entra en la lente. Apertura también tiene un efecto sobre el enfoque y la profundidad de campo, es decir, menor es la abertura de salida), menos luz pero mayor será la profundidad de campo – es decir, cuanto mayor es el rango dentro del cual los objetos parecen ser enfocado agudamente.

• tiempo de exposición – ajuste de la velocidad a menudo expresada ya sea como fracciones de segundo o como un ángulo, con persianas mecánicas del obturador para controlar la cantidad de tiempo durante el cual el medio de formación de imágenes se expone a luz para cada exposición. La velocidad de obturación se puede utilizar para controlar la cantidad de luz que incide sobre el plano de imagen; velocidades de obturación, es decir, los de más corta duración disminución tanto de la cantidad de luz y la cantidad de desenfoque de la imagen del movimiento del sujeto o de movimiento de la cámara ‘más rápido’.

• El balance de blancos – en las cámaras digitales, compensación electrónica para la temperatura de color asociado con un conjunto dado de condiciones de iluminación, asegurando que la luz blanca se ha registrado como tal en el sensor de imagen y por lo tanto que los colores en el marco aparecerá natural. En las cámaras mecánicas, basadas en películas, esta función es servida por la elección del operador de la acción de la película. Además de utilizar el balance de blancos para registrar la coloración natural de la imagen,

Introducción a la Fotografía

fotógrafos pueden emplear balance de blancos a fin estético, por ejemplo el balance de blancos a un objeto azul con el fin de obtener una temperatura de color caliente.

• Medida – medición de la exposición a un medio tono para que las luces y sombras se exponen de acuerdo con los deseos del fotógrafo. Muchas cámaras modernas cuentan con esta capacidad, a pesar de que tradicionalmente se lleva a cabo con el uso de un dispositivo medidor de luz independiente.
• velocidad de ISO – tradicionalmente utilizado para establecer la velocidad de la película de la película seleccionada en cámaras de película, las velocidades ISO se emplean en las cámaras digitales modernas como una indicación de la ganancia del sistema de la luz a la salida numérica y para controlar el sistema de exposición automática. Una combinación correcta de la velocidad ISO, la apertura y la velocidad de obturación conduce a una imagen que no es ni demasiado oscuro ni demasiado luz.
• punto de enfoque automático – en algunas cámaras, la selección de un punto en el marco de imagen sobre la cual el sistema de enfoque automático intentará enfocar. muchos SLR

Las cámaras réflex de lente única cuentan con múltiples puntos de enfoque automático en el visor.

Muchos otros elementos del dispositivo de formación de imágenes en sí pueden tener un efecto pronunciado sobre la calidad y / o efecto estético de una fotografía dada; entre ellos están:

• Longitud focal y el tipo de lente de teleobjetivo, macro, gran angular, o zoom

• Filtros o mallas colocado entre el sujeto y el material de registro de luz, ya sea por delante o por detrás de la lente

• sensibilidad inherente del medio a la intensidad de luz y color / longitudes de onda.

• La naturaleza del material de registro de luz, por ejemplo su resolución según se mide en píxeles o granos de haluro de plata.

Controles de la cámara están relacionados entre sí, la cantidad total de luz que alcanza el plano de la película los cambios «exposición» con la du ración de la exposición, la abertura de la lente, y la longitud focal de la lente que cambia a medida que se amplía la lente. Cambios en cualquiera de estos controles altera la exposición. Muchas cámaras se pueden ajustar para ajustar la mayoría o la totalidad de estos controles de forma automática. Esta funcionalidad automática es útil en muchas situaciones, y en la mayoría de situaciones a los fotógrafos ocasionales.

La duración de la exposición se conoce como velocidad de obturación, a menudo incluso en cámaras que no tienen un obturador físico, y típicamente se mide en fracciones de segundo. La apertura se expresa por un número f o f-Stop deriva de relación focal, que es proporcional a la relación de la longitud focal y el diámetro de la abertura. Si el número-f se reduce por un factor de , El diámetro de la abertura se incrementa por un factor de 2. Los diafragmas que pueden estar

introducción a la Fotografía

conocer en una lente típicos incluyen 2,8, 4, 5,6, 8, 11, 16, 22, 32, donde subiendo «una parada» duplica la cantidad de luz que llega a la película, y detener abajo un tope mitades de la cantidad de luz.

Las exposiciones pueden ser alcanzados a través de diversas combinaciones de velocidad de obturación y la apertura. Por ejemplo, f / 8 a 1 / 125a de un segundo y f / 4 a 1 / 500a de un segundo rendimiento de la misma cantidad de luz. La combinación elegida tiene un impacto en el resultado final. Además del movimiento del sujeto o de la cámara que puede variar dependiendo de la velocidad de obturación, la abertura y la longitud focal de la lente determinan la profundidad de campo, que se refiere a la gama de distancias de la lente que va a ser en el enfoque. Por ejemplo, usando una lente de largo y una gran abertura f / 2,8, por ejemplo), los ojos de un sujeto puede estar en un enfoque nítido, pero no la punta de la nariz. Con un ojos del sujeto más pequeña apertura f / 22, o una lente más corta, tanto en la nariz y podrá ser enfocado. Con muy pequeñas aberturas, tales como agujeros, una amplia gama de distancia puede ser llevado en el foco.

captura de imágenes es sólo una parte del proceso de formación de imágenes. Independientemente de material, algún proceso debe ser empleado para producir la imagen latente capturada por la cámara en el trabajo fotográfico final. Este proceso consta de dos pasos, el desarrollo y la impresión.

Durante el proceso de impresión, se pueden hacer modificaciones a la impresión por varios controles. Muchos de estos controles son similares a los controles durante la captura de la imagen, mientras que algunos son exclusivos para el proceso de impresión. La mayoría de los controles tienen conceptos equivalentes digitales, pero algunos crean diferentes efectos. Por ejemplo, esquivando y la quema de los controles son diferentes entre los procesos digitales y de película. Otras modificaciones de impresión incluyen:

• Productos químicos y procesos utilizados durante el desarrollo de la película
• Duración de la exposición – equivalente a la velocidad de obturación

• Impresión de apertura – equivalente a la abertura, pero no tiene efecto sobre la profundidad de campo

• Contraste
• Esquivando – reduce la exposición de ciertas áreas de impresión, lo que resulta en una las áreas más claras
• Burning – aumenta la exposición de ciertas áreas, resultantes en las zonas más oscuras

• La calidad del papel – brillante, mate, etc.

1.3. PARTES DE CÁMARA

A pesar de los avances en la tecnología, la cámara no ha cambiado mucho, por lo que

mecánicos van. Una cámara es esencialmente una caja hermética a la luz con un agujero en él. Todo lo demás es una elaboración. Aquí vamos a ver, en general, como la caja está dispuesto y

donde las elaboraciones por lo general son, por el SLR de 35 mm.

El cuerpo

El cuerpo es el cuadro, al que se une todo lo demás. Puede ser hecho de metal, plástico, material compuesto de la era espacial, madera, cartón, o cualquier cosa opaco. Así como el punto de fijación, el cuerpo mantiene la película. En el caso de una cámara de visión, el cuerpo es simplemente un bastidor que sostiene un soporte de la película en un lado y un fuelle, o tubo extensible por el otro, que está unido a una montura de la lente de retención separada.

Visor

El visor es lo que se mira a través de componer la imagen. Muy a menudo esencial para el cuerpo, cámaras profesionales tienen visores que se puede cambiar. El visor contiene una lente, a través del cual se mire, un espejo, y una vista de la pantalla de vidrio esmerilado, que a su vez, en las cámaras profesionales, puede ser reemplazado o cambiado por diferentes tipos. La mayoría de los visores sólo muestran algunos 85-90% de la escena, por lo que ven sus bordes, y se acercan

1.3.1. Disparador

Que normalmente se encuentra en la parte frontal derecha a medida que sostiene la cámara), el disparador es el botón se presiona a, bueno, accionar el obturador. El botón puede estar roscado para aceptar un disparador de cable, que se adjunta como una extensión, y utilizar cuando se quiere eliminar las vibraciones. Montado con el disparador, al menos en aquellas cámaras del período antiguo, es la palanca de avance de la película. Muchas cámaras más nuevos con devanaderas de automóviles incorporado no tienen una palanca de avance de la película.

dial de velocidad de obturación

Por lo general, se encuentra en la parte delantera derecha mientras mantiene la puerta cerrada), más cercano al visor. Muchas cámaras más nuevas, electrónicos no tienen esta línea, y ajusta la velocidad de obturación con los botones de marcación o diferente, normalmente situados cerca de la liberación en el cuerpo. El dial de velocidad de obturación tendrá una serie de números, por lo general de 8 o de 4 a 1000 o 2000. Estas son las velocidades de obturación, y son partes de un segundo. Además, es posible que vea A o P para automático o programa, T para el tiempo, que se abre el obturador cuando se pulsa la liberación, y lo deja abierto hasta que se pulse de nuevo. B es el ajuste del bulbo, que mantiene el obturador abierto durante el tiempo que se mantiene la liberación se mantiene presionada. También habrá una velocidad de sincronización del flash, que es la configuración de velocidad de la cámara cuando se utiliza un flash.

Rebobinado de línea / ASA

Esto, al menos en las cámaras sin un built-in de la devanadera, es una especie de mando multifunción. La parte superior tiene un pequeño flip-fuera de manivela, que se utiliza en conjunción con un botón de liberación en la parte inferior del cuerpo para rebobinar la película de nuevo en el recipiente. Tire de la manivela, y se libera de nuevo la cámara, para cargar y descargar la película. La parte inferior es el ASA, o velocidad de la película, ajuste. Tirando hacia arriba del anillo exterior permite girar un dial para cambiar el ajuste ASA. Las cámaras que no tienen ninguno de estos tendrán un interruptor de rebobinado, o rebobinar la película automáticamente cuando se llega al final de un rollo. Habrá una palanca o la liberación de la parte posterior, por lo general en el lado del cuerpo. El ASA se puede establecer automáticamente la lectura del código DX desde el rollo de película, con una anulación disponible a través del ordenador de a bordo.

liberación del objetivo

Un botón o palanca que abre la lente para el retiro, la liberación de la lente es uno de los pocos controles en la parte frontal de la cámara que no ha sido reemplazado por una selección en un menú de LED. Trabajar la liberación y girar la lente para eliminar, con lentes de bayoneta de montaje. Para volver a colocar la lente, alinee las ranuras, o dos puntos, uno en la lente y uno en el cuerpo y gire hasta d e la lente encaje en su lugar. No fuerce el objetivo! Se si alineado correctamente, se debe ir a la derecha en.

Otros

Mientras que los controles de arriba / piezas son bastante estándar, no son más que lo son menos. La primera es una previsualización de profundidad de campo. Se trata de un botón o palanca, que cuando se manipula, se detendrá abajo de la lente a la del ajuste de abertura seleccionado, que le permite mirar a través del visor y ver realmente la profundidad de campo. Una excelente

cosa, con un problema: muchas cámaras SLR de 35mm tienen visores que son demasiado pequeños y débiles para ver cualquier cosa una vez que haya dejado de abajo más allá de aproximadamente ƒ / 8. otro control

es un disparador automático, un botón o interruptor que permite que se abra el obturador después de un intervalo dado, para que pueda estar en esos maravillosos pix grupo con todos los demás. Por lo general, hay un zócalo para un cable de sincronización una pequeña doble -círculo), que se utiliza para conectar la cámara a una unidad estroboscópica. Puede haber un disparador manual, para su uso cuando las baterías están bien y verdaderamente han ido.

Las cámaras que no tienen auto-avance y rebobinado por lo general tienen un pequeño botón en

la parte inferior del cuerpo que debe ser deprimida cuando el rebobinado de la película. Este botón se desactiva el mecanismo de funcionamiento de avance de película. Si no tienen esta abajo

e insistir en rebobinado de la película, que va a hacer una de varias cosas malas: romper la palanca de rebobinado / manejar, rasgar la película, y / o pelar el engranaje

La idea básica detrás de una cámara fotográfica no ha cambiado mucho desde su invención, aunque los nuevos avances como la tecnología digital han cambiado

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ntroducción a la Fotografía

la forma de arte. Conociendo el mecanismo detrás de una cámara da al fotógrafo una mejor comprensión del arte de la fotografía.

Carcasa y el visor: El carcasa de la cámara es la capa exterior sólida que proporciona protección para las partes internas. La carcasa también ayuda a mantener la luz fuera de la cámara, evitando la luz de la exposición de la película. El visor es utilizado por el operador de cámara para apuntar y enfocar la imagen y ajustar la configuración.

Lentes y espejos: La lente permite que la luz entre en la cámara y enfoca la luz en el cine. También permite que la luz refleje en el espejo, lo que permite al operador ver la imagen a fotografiar en el visor. Una imagen que no se centra en el visor aparecerá borrosa cuando se imprima. El espejo es sólo en su uso cuando el obturador está cerrado. Permite al operador ver la imagen en el visor para preparar la imagen para ser fotografiado. Cuando se abre el obturador, el espejo se mueve hacia arriba, lo que permite que la luz entre la cámara y la exposición de la película a la imagen iluminada.

Prisma: El prisma refracta la luz, lo que permite al operador ver la imagen en el visor cuando el obturador está cerrado.

Abertura y velocidad Dial: La abertura en la lente que controla la cantidad de luz que se permite a la cámara y la longitud de tiempo que la película se expone a la luz se denomina la abertura. El dial de velocidad de obturación se ajusta por el operador de cámara y regula la duración de la apertura permanece abierta. Cuanto más lenta sea la velocidad del obturador, más luz de la abertura permite a la cámara; una velocidad de obturación lenta se encuentra alrededor de 60.

F Stop-Anillo y Dial ASA: El anillo F-Stop tiene una configuración de 2 a 22, con 2 siendo el más grande y el más pequeño 22. Estos ajustes son para el tamaño de la abertura del diafragma cuando se toma la fotografía; cuanto menor sea el valor, menos luz se le permite a la cámara para exponer la película. El dial de ASA se establece de acuerdo a la velocidad de la película usada en la cámara. película más rápido se utiliza para la acción de movimiento rápido y bajos niveles de luz; una película con un ajuste de 200 o superior se clasifica como rápido.

Avance de la película de la palanca, manivela de rebobinado y el bastidor de caja Avance: La palanca de avance de la película se utiliza para avanzar la película a través de la cámara. El cuadro de avance de cuadro muestra el número de fotografías tomadas y ayuda al operador juez cuántas imágenes se queda en un rollo de película. La manivela de rebobinado se utiliza cuando un rollo de película está terminada y se usa para rebobinar la película expuesta de nuevo en el recipiente.

Usos de la fotografía

Fotografía se practica a nivel profesional para el retrato y para diversas aplicaciones comerciales e industriales, incluyendo la preparación de fotografías para la publicidad, la ilustración, la pantalla y el mantenimiento de registros. Fotografía de prensa es para

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Introducción a la Fotografía

ilustraciones de periódicos y revistas de eventos y objetos de uso tópico. Fotografía se utiliza en varios niveles en las artes gráficas para convertir fotografías originales u otras ilustraciones en placas de impresión para una reproducción de alta calidad y en cantidad. fotografía industrial incluye la generación y reproducción de dibujos de ingeniería, fotografía de alta velocidad, y muchas otras formas de fotografía técnica, que puede ayudar en el desarrollo, diseño y fabricación de diversos productos. La fotografía aérea se utiliza para la investigación militar y la cartografía, la cartografía civil, la planificación urbana y carretera, y las encuestas de los recursos materiales. fotografía biomédica se utiliza para revelar o grabar estructuras biológicas, a menudo de importancia para la investigación médica, el diagnóstico o el tratamiento.

La fotografía es una de las herramientas más importantes en los ámbitos científicos y técnicos. Se extiende el rango de visión, lo que permite registros para estar hechos de cosas o eventos que son difíciles o imposibles de ver porque son demasiado débil, demasiado breve, demasiado pequeña, o demasiado lejana, o asociada con la radiación a la que el ojo es insensible. fotografías técnicos pueden ser estudiados en el ocio, medidos y almacenados para referencia o la seguridad. La adquisición e interpretación de imágenes en fotografía científica y técnica por lo general requiere de la participación directa de los científicos o técnicos cualificados.

1.4. Tipos de fotografía

Fotografía infrarroja

Emulsiones hechas con tintes especiales sensibilizadores pueden responder a la radiación en longitudes de onda de hasta 1200 nanómetros, aunque las películas infrarrojas más comunes exhiben poca sensibilidad por encima de 900 nm. Una película de color especializado incorpora una capa sensible en la región de 700-900 nm y se desarrolla a colores falsos para mostrar sujetos reflectante de infrarrojos como el rojo brillante.

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ntroducción a la Fotografía

Las fotografías de este modo se pueden hacer de los sujetos, que irradian en el infrarrojo cercano, tales como estrellas, ciertos láseres y diodos emisores de luz, y los objetos calientes con temperaturas de la superficie mayor que 500 ° F 260 ° C). películas infrarrojos se utilizan más comúnmente para los sujetos fotografía, que transmiten selectivamente o reflejan la radiación del infrarrojo cercano, especialmente de una manera diferente de la radiación visible. fotografías infrarrojas tomadas de largas distancias o altitudes elevadas suelen mostrar una mayor claridad de detalle porque atmosférica neblina de dispersión disminuye con el aumento de longitud de onda y porque el contraste de los objetos de tierra puede ser más alta como resultado de su diferente reflectancia en el infrarrojo cercano. La hierba y el follaje aparecen de color blanco debido a la clorofila es transparente en el infrarrojo cercano,

Fotografía ultravioleta

Dos clases distintas de la fotografía dependen de la radiación ultravioleta. En la primera, el material de grabación está expuesta directamente con radiación ultravioleta emitida, reflejada o transmitida por el sujeto; en la otra, la exposición se realiza únicamente con radiación visible resultante de la fluorescencia de ciertos materiales cuando se irradia en el ultravioleta. En el caso directa, la región de longitud de onda es generalmente restringida por la lente de la cámara y la filtración a 350-400 nm, que se detecta fácilmente con

dieciséis               Y

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ntroducción a la Fotografía

películas en blanco y negro convencionales. photography ultravioleta se realiza en longitudes de onda más cortas en espectrógrafos y cámaras equipadas con ultravioleta de transmisión o que refleja la óptica, generalmente con películas especializadas. En ultravioleta-fotografía de fluorescencia, la radiación ultravioleta es bloqueado de la película por filtración sobre la lente de la cámara y el sujeto fluorescente se registra fácilmente con el color convencional o películas pancromáticas. Ambas formas de fotografía ultravioleta se utilizan en la fotografía y la microfotografía de cerca por los mineralogistas, museos, galerías de arte y fotógrafos forenses.

Fotografía de alta velocidad

Fotografía en la exposición duraciones más cortas que las posibles con los obturadores convencionales o en las tasas de frecuencias de trama superiores a las alcanzables con cámaras de cine con los movimientos de película intermitente es útil en una amplia gama de aplicaciones técnicas.

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ntroducción a la Fotografía

Fotografía aérea

El arte de la fotografía aérea, en la que las fotografías de la superficie de la Tierra están hechas con cámaras de rollo de película especializados llevado en alto en los globos, aviones y naves espaciales, es un segmento importante de una tecnología genérica más amplia, la teledetección. La película a menudo se sustituye con un sensor electrónico, el sistema sensor puede estar montado en una aeronave o nave espacial, y el sujeto puede ser la superficie de un planeta distante en lugar de la Tierra. La teledetección se utiliza para reunir información de inteligencia militar; para proporcionar la mayor parte de la información para el trazado de mapas; para la evaluación de recursos minerales naturales, el petróleo, los suelos, los cultivos y el agua y los desastres naturales; y para la planificación de ciudades, carreteras, presas, oleoductos y campos de aviación. La fotografía aérea normalmente proporciona una mayor resolución en el suelo y la precisión geométrica de la imagen obtenida con sensores electrónicos,

Fotografía digital

El proceso de adquisición electrónica, el equivalente de sacar una fotografía, se refiere a menudo como la captura de imágenes.

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: Introducción a la Fotografía

La intensidad de luz se detecta en la cámara digital con un sensor de foto. Esto es normalmente un CCD dispositivo de carga acoplada, aunque) los dispositivos complementarios de óxido de metal de silicio CMOS están comenzando a aparecer en algunos sistemas.

Cuando los fotones golpean el sensor, se dan por vencidos energía. Esto hace que los electrones pueden emitir, convirtiendo la energía de los fotones en energía eléctrica. El número de electrones que se emiten se puede medir para determinar el número de fotones golpearon el elemento de captura, y desde este escáner puede generar un valor para la intensidad de la luz que llega desde el punto en el ser original analizada.

El objetivo de la etapa de digitalización es capturar toda la información de un original que será necesaria en la reproducción y convertirla en una serie de números binarios que un ordenador puede procesar. El sistema visual humano busca activamente las señales que le darán información acerca de los objetos dentro del campo visual, y una reproducción de una imagen que contiene una gran cantidad de detalle es casi siempre preferible a aquella en la que algunos de los detalles se ha perdido.

Al igual que las cámaras convencionales, cámaras digitales vienen en compactas, réflex de lente única, y las variedades de gran formato. compactos de baja resolución son útiles para producir anuncios clasificados y tienden a tener la óptica relativamente simple, la imagen del software de detección de la electrónica, y controlar. Las cámaras digitales suelen estar basados en diseños de cámara reflex de lente única existentes con la adición de espaldas CCD y subsistemas de almacenamiento. La Resolución de captura de estas cámaras es ideal para la fotografía de noticias y otras aplicaciones con requisitos de calidad similares.

La invención de la fotografía

El primer avance necesario en la fotografía estaba en una zona de muy diferente, centrada en el ojo no de hacer imágenes fotográficas permanentes. El empleo de los datos de las investigaciones de Juan Heinrich Schulze-quien, en 1727, descubrió que el nitrato de plata oscurecida por exposición a la luz Thomas Wedgwood y Sir Humphrey Davy, al principio del 19o ciento., Creó lo que ahora llamamos fotogramas. Éstos fueron hechos mediante la colocación de diversos objetos en papel empapado en nitrato de plata y exponerlos a la luz solar. Esas áreas del papel cubierto por los objetos permanecido blanco; el resto ennegrecido después de la exposición a la luz.

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ntroducción a la Fotografía

Nacido en 1765 en Francia, Joseph Nicéphore Niépce disfrutó de una cómoda educación de clase media. Después de perseguir primeras carreras en la enseñanza y el ejército, regresó a su tierra natal en 1801 para establecerse en y administrar su patrimonio familiar. La unión con su hermano, Claude, en varios experimentos e inventos, adoptó el manto de un caballero científico de mente. Ya en 1793 los hermanos habían discutido la posibilidad de la utilización de compuestos sensibles a la luz para reproducir imágenes. primeros experimentos de José en esta dirección parecen haber comenzado en 1816, pero no fue hasta 1824 que tenía algún grado de éxito con las fotografías permanentes de la naturaleza. Este lento avance se explica por el hecho de que la fotografía no era su única, o incluso su principal interés; la invención en la que los hermanos gasta la mayor parte de sus esfuerzos, genio, y en última instancia la totalidad de su fortuna de la familia, era un motor de combustión llamado el «pireoloforo» para propulsar barcos. Patentado en 1807, este motor de combustión ingenioso y sorprendentemente temprana tenía realmente a impulsar un modelo de barco en los ríos Saona y Sena. Los siguientes veinte años los pasó en la mejora y tratando de explotar el motor, este último implica eventual traslado de Claude a Inglaterra.

Cuando la locura por el arte recién inventado de la litografía barrió Francia en 1813, es natural que atrajo la atención de José. Incapaz de dibujar bien, colocó grabados, se hará transparente, sobre piedras recubiertas con barniz sensible a la luz de su propia composición. Por lo tanto la litografía llevado a lo que más tarde llamó heliografía de Niépce, y posteriormente a la primera fotografía permanente de la naturaleza, producido en torno a 1826 de peltre.

En septiembre de 1827, José viajó a Kew, cerca de Londres a visitar a su hermano Claude, que estaba gravemente enfermo. Una vez allí, se introdujo en el famoso botánico, Francis Bauer, FRS, que examinó las muestras Niépce había traído con él e inmediatamente reconoció la importancia de su descubrimiento. Bauer aconsejó a José para escribir una memoria y le proporciona con introducciones para presentar el papel y mostrar los especímenes a la Real Sociedad el 8 de diciembre. Estos especímenes que fueron todos referidos por Niépce como «Les premiers resultats obtenus spontanément par l’acción de la lumiere» -eran volvió a él junto con el libro de memorias, de la Royal Society se sentían incapaces de conocer de una invención para la que la inventor no estaba dispuesto a revelar los detalles. Joseph salió de Inglaterra poco después. Antes de su partida que presentó su libro de memorias escrito a mano y sus especímenes Heliograph incluyendo la primera fotografía a Francis Bauer. El botánico inscrito debidamente los dones, los etiquetó 1827, el año de su presentación a él, y los puso a un lado. Dos semanas después de su regreso a Francia, José aprendería de la muerte de su hermano Claude.

A su regreso Joseph continuó sus experimentos. Cortejado por Louis-Jacques-Mandé Daguerre, pintor y empresario, Niépce finalmente formó una asociación de diez años con él en 1829. Él continuó experimentando con la heliografía, soñando eventual reconocimiento y el éxito económico, hasta su muerte en 1833. En 1839 Daguerre centró la atención del mundo sobre su propia invención, el daguerrotipo, y el trabajo pionero de Joseph Nicéphore Niépce fue en gran medida abrumado y fácilmente ignorado. Se necesitaría la combinación de especie de regalo de Niépce a Bauer, el cuidado que Bauer dio a los artefactos preciosos, y Helmut de persistencia y visión Gernsheim, para restaurar Joseph Nicéphore Niépce a su posición que le corresponde como primer fotógrafo exitoso del mundo.

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Introducción a la Fotografía

Davy y Wedgwood encontraron ninguna manera de detener la acción química en esta etapa, sin embargo, y sus imágenes duraron sólo un corto tiempo antes de oscurecer por completo.

Fotografía de principios básicos, los procesos y los materiales fueron descubiertos casi simultáneamente por un grupo diverso de personas de diferentes nacionalidades, que trabajan en su mayor parte de forma totalmente independiente el uno del otro. Los resultados de sus experimentos se unieron en la primera mitad de la 19a ciento., La creación de una herramienta de comunicación que iba a ser tan poderoso y significativo como la imprenta. Cuatro hombres figuran principalmente en el establecimiento de los rudimentos de la ciencia fotográfica.

El físico francés, Joseph Nicéphore Niepce, hizo la primera negativa en el papel) en 1816 y la primera fotografía conocida en el metal; lo llamó un heliógrafo en 1826. Por esta última fecha se había dirigido sus investigaciones alejado de las superficies de papel y negativos de haber inventado, mientras tanto, lo que ahora se llama el proceso de fotograbado de la reproducción mecánica y hacia las superficies metálicas sensibilizados.

En 1827 Niépce también había comenzado su asociación con Louis Jacques Mandé Daguerre, pintor francés que había estado experimentando a lo largo de líneas paralelas. Una asociación se formó y que colaboró hasta la muerte de Niépce en 1833, después de lo cual Daguerre continuó su trabajo durante los próximos seis años. En 1839 se anunció la invención de un método para hacer una imagen positiva directa sobre una placa de plata del daguerrotipo.

El anuncio de Daguerre era una fuente de consternación para el científico Inglés William Henry Fox Talbot, que había estado experimentando de forma independiente a lo largo de las líneas relacionadas durante años. Talbot había evolucionado un método para fabricar un negativo de papel a partir del cual una

número infinito de puntos positivos de papel se ha podido crear. También había trabajado a cabo una efectiva técnica, aunque imperfecto de forma permanente “arreglar” sus imágenes.

Preocupado porque podría perder los derechos de su propia invención, el calotipo, Talbot escribió a la Academia de Ciencias de Francia, la afirmación de la prioridad de su propia invención. A continuación, no perdió tiempo en la presentación de sus investigaciones a la Royal Society de Inglaterra, de la que fue miembro distinguido.

Los tres pioneros, Niepce, Daguerre y Talbot, junto con Sir John Herschel, que descubrió en 1819 la idoneidad de hiposulfito de soda, o “hipo”, como una

agente de fijación para las imágenes papel sensibilizado y que se acredita generalmente con el nuevo medio de dar su nombre, merecen compartir el inventor título de Fotografía. Cada uno hizo una contribución vital y único a la invención de la fotografía

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: Introducción a la Fotografía

proceso. El proceso desarrollado por Daguerre y Niepce era, en un gran gesto, comprado a ellos por el gobierno francés y se le dio, libre de restricciones de patentes, para el mundo. Talbot patentó su propio proceso y luego publicó una descripción de la misma, titulado El lápiz de la naturaleza 1844 -46. Este libro, que contiene 24 copias originales, fue la primera vez ilustrado con fotografías.

el daguerrotipo

cámara daguerrotipo

Daguerrotipo se extendió rápidamente, excepto en Inglaterra, donde Daguerre había patentado en secreto su proceso antes de venderlo al gobierno francés. Los problemas legales que asisten a la búsqueda de la fotografía como una cuenta profesión en parte por la influencia generalizada de los aficionados, por ejemplo, Nadar, el fotógrafo francés pionero en el desarrollo temprano del medio. La popularidad del daguerrotipo se puede atribuir a dos factores principales. El primero de ellos fue la pasión victoriana por la novedad y por la acumulación de objetos materiales, que encontró su paradigma perfecto en estas plateado, miniaturas exquisitamente detalladas. El segundo fue el gran aumento de la demanda de una clase media en ascenso para cualitativamente buena pero- comparación con retratos de la familia de honorarios de bajo costo de un pintor. El más barato ferrotipo finalmente hizo estas semejanzas disponibles para todos.

el calotipo

negativo papel del calotipo hizo posible la reproducción de las imágenes fotográficas. La base de papel grueso inevitablemente para el negativo, sin embargo, eliminó el delicado detalle que hizo que el daguerrotipo tan atractivo. Esta falta de precisión se entiende y se utiliza a la ventaja por el pintor escocés David Octavius Hill y su ayudante, Robert Adamson. De 1843 a 1848 realizó una extensa serie de retratos de clérigos escoceses calotipo, destinado a servir sólo como estudios

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: Introducción a la Fotografía

para un retrato de grupo en los aceites, que se encuentra hoy entre los principales órganos de trabajo en el medio. Hill y Adamson componen sus retratos en planos amplios, la yuxtaposición de masas en negrilla de la luz y la oscuridad, creando obras que son monumental en la sensación a pesar de su pequeño tamaño.

Robert Adamson, fue un fotógrafo pionero escocés. Adamson nació en St. Andrews, fue contratado en 1843 por David Octavius Hill 1802 -1870), un pintor de paisajes escoceses románticas. Él fue el encargado de hacer un retrato de grupo de los 470 sacerdotes que fundaron la Iglesia Libre de Escocia. Colina requerido calotipos de la que iba a pintar. distinguidas personas de muchos campos llegaron a ser fotografiado por los socios. Juntos

hicieron más de 1.000 retratos y numerosas vistas de Edimburgo entre 1843 y 1848, hasta que Adamson murió a la edad de 26 años Colina devueltos a la pintura y los socios gran

trabajo no fue redescubierta hasta 1872. El pintor escocés y artes activista David Octavius Hill colaboró con el ingeniero y fotógrafo Robert Adamson entre 1843 y 1847 pionero en muchos aspectos de la fotografía en Escocia.

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Introducción a la Fotografía

El proceso del colodión

Thedilemmaofdetailversusreproducibilitywasresolvedin1851byan

Inglés, Archer de Frederick Scott, quien introdujo el proceso del colodión. Este método, también conocido como la técnica de “placa húmedo”, implicado el revestimiento de una placa de vidrio

con yoduro de plata en suspensión, exponiéndolo mientras aún esté húmedo, y el desarrollo de inmediato. Una vez fijo y se seca, la placa de vidrio se cubrió con una película delgada, flexible que contiene la imagen negativa, la definición y detalle de los cuales se acercaron a la de la daguerrotipo. Como este proceso se fusionó las ventajas de ambos sus predecesores, fue adoptado universalmente dentro de un tiempo muy corto.

El impacto de la temprana Fotografía

Con el advenimiento del proceso de colodión, llegó producción y difusión de las copias fotográficas de masas. La creación de estos documentos visuales de la historia personal y pública generó grandes cambios en la percepción de la historia de la gente, de tiempo y de sí mismos. El concepto de privacidad se modificó en gran medida como cámaras se utilizaron para grabar la mayoría de los ámbitos de la vida humana. La presencia ubicua de las máquinas fotográficas tiempo cambió el sentido de lo que era adecuado para la observación de la humanidad. La fotografía fue considerado como prueba incontestable de un evento, la experiencia o estado del ser.

Para llevar a cabo el montaje y la demanda incesante de más imágenes, los fotógrafos se extienden a todos los rincones del mundo, el registro de todos los fenómenos naturales y manufacturados que pudieron encontrar. Estos fueron en tres formas principales: el álbum familiar, que contenía retratos del gabinete y álbumes de recortes que contienen grandes impresiones de vistas desde diferentes partes del mundo; y las cajas de tarjetas de estereoscopio, que en combinación con el visor estereoscópico populares crean una ilusión eficaz de la tridimensionalidad.

Una serie de fotógrafos, entre ellos Timoteo O’Sullivan, JK Hillers, y WH Jackson, acompañado expediciones de exploración de las nuevas fronteras en el oeste de Estados Unidos, mientras que John Thomson regresó de China y Maxime Du Camp de Egipto con los registros de las vistas y de los pueblos nunca antes visto por los ojos de Occidente. Roger Fenton, que fotografió el conflicto de Crimea, y los cuerpos fotográfica de Mathew Brady, que documentó la guerra civil americana, proporcionaron evidencia gráfica de la infernal de combate.

Nuevos desarrollos

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:               Introducción a la Fotografía

EJ Marey, el pintor Thomas Eakins, y Eadweard Muybridge todos los medios ideados para hacer fotografías de acción detenida que demostraban la brecha entre lo que la mente piensa que ve y lo que el ojo percibe realmente. El principal trabajo de Muybridge, Animal Locomotion 1887, sigue siendo ab fuente ASIC para artistas y científicos por igual. Como se perfeccionaron las lentes accesorias, la visión de la cámara telescópica extendido tanto y microscópicamente; la luna y el microorganismo se volvieron accesibles como imágenes fotográficas.

La introducción del proceso de medios tonos en 1881 hizo posible la reproducción precisa de fotografías en libros y periódicos. En combinación con las nuevas mejoras en la tecnología fotográfica, incluyendo las placas secas y las cámaras más pequeñas, lo que hizo fotografiar más rápido y menos engorroso, el medio tono hizo el reportaje inmediata factible y abrió el camino para la fotografía de prensa. introducción de George Eastman en 1888 de la película de rodillo y el simple cámara de cajón Kodak proporciona a todos con los medios para hacer fotografías por sí mismos.

1.5. Historia y desarrollo de la fotografía

Cuando la fotografía se anunció al mundo en 1839, se establecieron casi de inmediato tres relaciones con el cuerpo. El más extendido de estos fue la capacidad de producir retratos e instantáneas que han servido como sustitutos, incluso fichas fetichistas, del cuerpo humano. A medida que las nuevas tecnologías hacen progresivamente más barato fotografía lo largo del siglo XIX, el retrato fotográfico, producida en los estudios de técnicos capacitados, trabajó su camino hacia abajo a las clases cada vez más bajos de la sociedad. retratos fotográficos hacen presentes a amplias clases de personas imágenes de los cuerpos de los miembros de la familia que habían emigrado, ido a la guerra, murieron, o de lo contrario se ausentaron, un privilegio disfrutado anteriormente sólo por los ricos.

Como un tipo diferente de sustituta, la fotografía en sí amplió el alcance de la comprensión del cuerpo del mundo. Si lo hace, con más insistencia que hizo otras formas de representación mimética, la fotografía parecía sustituir a la experiencia directa, corporal del individuo, su lente de convertirse en el ojo errante del espectador. Lo más obvio es que uno ve esto en los viajes y fotografías expedicionarios del siglo XIX, por lo que los profesionales cualificados viajaban adelante de Europa Occidental y el este de los EE.UU. para grabar y recuperar vistas de sitios tan diversos como la India, el oeste de Estados Unidos y Oriente Medio.

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: Introducción a la Fotografía

Por último, la fotografía juega un papel en la comprensión del siglo XIX del propio cuerpo dentro de las ciencias emergentes. Los etnógrafos vieron en la fotografía el potencial para probar las teorías de la diferencia racial, usando fotografías que muestran rostros y cuerpos desnudos completos con frecuencia que se habían producido tanto por la industria del turismo y en concreto para el estudio etnográfico. Los primeros investigadores de la psiquiatría y la eugenesia consideran el medio una herramienta objetiva de la investigación, la búsqueda de evidencias de disparos de cara sencillos, así como aquellos que habían sido manipulados. Los estudios de la fisonomía y las emociones fueron ilustrados con fotografías de caras

estimulada por cargas eléctricas, mientras que eugenicists trataron de llegar visualmente en ‘tipos’ promedio mediante la exposición de una sola pieza de papel fotográfico a múltiples

negativos retrato, una encima de la otra, de modo que sólo los rasgos más comúnmente aceptadas aparecieron en la imagen final. Dentro de la criminología, fotográficas disparos ‘taza’

fija las identidades de los delincuentes condenados, mientras imágenes detalladas de las orejas y otras partes del cuerpo habilitadas un método crudo de sospechosos de seguimiento, como se usan hoy en día las huellas dactilares y el ADN. Fisiología fue avanzado por los estudios de movimiento en la década de 1870 y 80, que fija las posiciones del cuerpo llevó a cabo en el transcurso de una variedad de

ocupaciones. Utilizando                ligero

olas        más allá                el

visible   espectro,             el

invención de la de rayos X hacia el final del siglo dejó médicos

estudiar partes internas del cuerpo.

Un original de la cámara Brownie desde 1900

A finales del siglo XIX, la relación de la fotografía para el cuerpo cambió con la invención y comercialización masiva de Kodak de George Eastman, el

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: Introducción a la Fotografía

primera cámara instantánea. La facilidad de uso y la movilidad de esta cámara en mano ‘se presiona el botón; nosotros hacemos el resto ‘, contó con la anuncios hicieron una extensión del propio cuerpo o de ne. Ya una cámara de ‘apuntar y disparar’, tan temprano como Kodak permitió a los individuos

hacerse cargo de muchas de las funciones anteriormente realizadas por fotógrafos profesionales. masas de personas que ahora podrían hacer retratos y vistas de sus propios viajes, con una cámara llevado cómodamente en cualquier parte cada vez mayor. Dentro de las fotografías instantáneas que surgieron, el cuerpo mismo se registró en formas cada vez más comunes y casuales.

También a partir de finales del siglo XIX, la reproducción en masa de fotografías a través de nuevas tecnologías de impresión amplió la audiencia para el documental y la fotografía periodística, que dependía de su pretensión de veracidad sobre la elisión imaginaria entre el ojo humano y la cámara mecánica.

Fotografía tomada con una cámara Brownie. Observe cómo la fotografía es redonda, al igual que la abertura de la cámara.

Casi desde el momento de su invención, la fotografía incluye la producción de imágenes eróticas como un subconjunto encubierta de sus representaciones del cuerpo. En el siglo XIX, así como el XX, tales imágenes menudo finessed la fina línea entre el arte y la pornografía. fotógrafos del siglo XIX de la aliada femenina desnuda USU) incluidos entre sus clientes tanto a los artistas que buscan escapar

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ntroducción a la Fotografía

George Eastman, fue sólo 24 años cuando creó su compañía Eastman Dry Plate en Nueva York en 1880 y la primera fotografía de medio tono aparece en un diario. En 1888 se presenta la primera cámara Kodak que cuesta $ 25.00 por gran cantidad de dinero a continuación. Tenía un rollo de 20 pies de papel, lo suficiente para 100 imágenes ya puestas en él. Para obtener la película revelada que tenía que devolver la cámara a la Eastman Dry Plate Company en Rochester, Nueva York. Por $ 10.00 que se desarrollarían las fotografías, poner más película en su cámara y enviar por correo todo de nuevo a usted. Un año más tarde aparece una cámara mejorada de Kodak con un rollo de película en lugar de un rollo de 20 pies de papel.

Eastman quería todo el mundo sea capaz de tomar fotografías. Trabajó duro para desarrollar una cámara que todo el mundo puede permitirse el lujo de comprar. Lo hizo en 1900! Fue la cámara de cajón rollo de película Kodak Brownie. El costo $ 1.00! Ahora todo el mundo puede tomar fotografías, no sólo los fotógrafos profesionales.

de la costa y posible tedio de trabajar a partir de modelos en vivo y un público más general la búsqueda de estas imágenes por su potencial erótico. En el primer tercio del siglo XX, muchos fotógrafos en su mayoría hombres) se volvieron hacia el cuerpo desnudo femenino como sujeto que alinear su trabajo en este nuevo medio con las artes más tradicionales.

En las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial, la fotografía del cuerpo dentro de los medios de comunicación crecientes diferencias de género en gran medida reforzado la guerra habían aliviado momentáneamente. Las revistas de moda devueltos en su imaginario a un nivel de elegancia y de disfraces no se veía desde la década de 1920. Fotografía publicitaria, ahora en su apogeo, construido de manera segura diferentes roles para hombres y mujeres a través de imágenes en las que la postura corporal, la expresión facial, el aseo, el vestido y ocupó un lugar destacado.

En la década de 1960 la fotografía hace evidente la centralidad del cuerpo a los cambios radicales en la sociedad. Mientras que los cadáveres del campo de batalla habían ocupado un lugar destacado en las fotografías de la Guerra Civil Americana, los censores del gobierno descartaron con éxito cualquier representación fotográfica a gran escala de la carnicería de batalla hasta la Guerra de Vietnam, cuando la desaprobación generalizada de la guerra impulsó a los fotógrafos a desafiar a los censores. No sólo periodísticos imágenes registran la carnicería traído al cuerpo por la guerra en el sudeste asiático y la protesta en contra de ella en Europa y América, pero artísticas imágenes parecían reflejar simbólicamente el estrés psíquico de los acontecimientos mundiales en los cuerpos por lo demás normales.

En la década de 1970 la fotografía y el cuerpo cruzado de nuevas maneras. Ya no se considera un registro o medio de la abstracción transparente, como lo había sido durante gran parte de su historia, la fotografía se ve ahora como marca la medida en que el mundo está

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Introducció a la Fotografía

mediada, ya que viene a nosotros como una representación. Utilizando la fotografía de esta manera, los artistas exploraron las bases sociales y culturales de tales atributos del cuerpo como el género, la raza, la clase y la orientación sexual. Los artistas utilizan la fotografía para documentar las actuaciones artísticas que utilizan el cuerpo de una manera muy física para redefinir la experiencia. artistas feministas utilizan la fotografía como un medio para registrar y comentar las transformaciones a las que se someten sus cuerpos.

1.6. TIPOS DE FOTOGRAFÍA

Fotografía en blanco y negro

«Vientos de casting» – esto en blanco y negro muestra el aspecto monocromático clásico, así como el uso de filtrado óptico simulado para aumentar o disminuir la prestación de ciertas longitudes de onda de luz.

Todas las fotografías era originalmente blanco y negro, o negro y blanco. Incluso después de la película de color estaba fácilmente disponible, la fotografía en blanco y negro continuó dominando durante décadas, debido a su bajo costo y su mirada fotográfica «clásico». En los tiempos modernos, negro y blanco, se ha convertido en todo una forma de arte minoría y mayoría de la fotografía se ha convertido en la fotografía en color.

Muchos fotógrafos siguen produciendo algunas imágenes monocromas. Algunas de las imágenes digitales a todo color son procesadas usando una variedad de técnicas para crear los blancos y negros, y algunas cámaras incluso se han producido a disparar exclusivamente en blanco y negro.

Fotocromía

La fotografía en color fue explorada a partir de mediados de la década de 1800. Los primeros experimentos en color no podían fijar la fotografía y evitar que el color de la decoloración. La primera foto de color permanente fue tomada en 1861 por el físico James Clerk Maxwell.

Maxwell hizo contribuciones a la zona de la óptica y la visión del color, se le atribuye el descubrimiento de que podrían formarse fotografías en color usando filtros rojo, verde y azul. Tenía el fotógrafo Thomas Sutton fotografiar una cinta de tartán tres veces, cada vez con un filtro de color diferente sobre la lente. Las tres imágenes fueron desarrollados y luego proyectan en una pantalla con tres proyectores diferentes,

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Introducció a la Fotografía

cada una equipada con el mismo filtro de color que se utiliza para tomar su imagen. Cuando se pone en foco, las tres imágenes formaron una imagen a todo color. Las tres placas fotográficas ahora residen en un pequeño museo en 14 India Street, Edimburgo, la casa donde nació Maxwell.

Uno de los primeros métodos de tomar fotos a color era utilizar tres cámaras. Cada cámara tendría un filtro de color delante de la lente. Esta técnica proporciona el fotógrafo con los tres canales básicos requeridos para recrear una imagen en color en una planta de cuarto oscuro o procesamiento. fotógrafo ruso Sergei Mikhailovich Prokudin-Gorskii desarrollado otra técnica, con tres láminas en color tomadas en rápida sucesión.

Aplicación práctica de la técnica fue retenido por la respuesta de color muy limitada de la película temprana; Sin embargo, en el año 1900, siguiendo el trabajo de foto-químicos tales como HW Vogel, emulsiones con una adecuada sensibilidad a la luz verde y rojo al fin llegaron a estar disponibles.

La primera placa de color, Autochrome, inventado por los hermanos franceses Lumière, llegó al mercado en 1907. Se basa en una ‘pantalla-placa’ filtro hecho de puntos teñidos de almidón de patata, y fue el único película de color en el mercado hasta alemán Agfa introdujo el Agfacolor similar en 1932. en 1935, American Kodak presentó la primera película moderna ‘integrado -pack tri’ color Kodachrome, basado en tres emulsiones coloreadas. Esto fue seguido en 1936 por Agfa Agfacolor Neue. A diferencia del proceso tri-pack Kodachrome los acopladores de color en Agfacolor Neue eran integral con las capas de emulsión, que simplifica en gran medida el procesamiento de la película. La mayoría de las películas en color modernos, a excepción de Kodachrome, se basan en la tecnología Agfacolor Neue. la película de color instantánea fue introducida por Polaroid en 1963.

La fotografía en color puede formar imágenes como una transparencia positiva, destinado a ser utilizado en un proyector de diapositivas o como negativos en color, destinados a ser utilizados en la creación de ampliaciones de color positivos en papel con un recubrimiento especial. Este último es ahora la forma más común de la película no de color -digital photography debido a la introducción de equipos de impresión de fotos automatizado.

Fotografía digital

la fotografía tradicional cargado fotógrafos que trabajan en lugares remotos sin acceso fácil a las instalaciones de procesamiento, y la competencia de la televisión presionó a los fotógrafos para ofrecer imágenes a los periódicos con mayor velocidad. fotoperiodistas en ubicaciones remotas a menudo llevan a los laboratorios fotográficos en miniatura y un medio de

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ntroducción a la Fotografía

transmitir imágenes a través de las líneas telefónicas. En 1981, Sony presentó la primera cámara de consumo de usar un dispositivo de carga acoplada para la imagen, eliminando la necesidad de la película: la Sony Mavica. Mientras que la Mavica las imágenes guardadas en el disco, las imágenes se visualizan en la televisión, y la cámara no era totalmente digital. En 1990, Kodak dio a conocer el DCS 100, la primera cámara digital disponible en el mercado. Aunque es excluida alto costo usos distintos del fotoperiodismo y la fotografía profesional, nació la fotografía digital comercial.

La imagen digital utiliza un sensor de imagen electrónico para registrar la imagen como un conjunto de datos electrónicos en lugar de los cambios químicos como en la película. La principal diferencia entre la fotografía digital y química es que la fotografía analógica resiste la manipulación, ya que implica la película, la óptica y papel fotográfico, mientras que la imagen digital es un medio altamente manipuladora. Esta diferencia permite un grado de imagen post-procesamiento que es relativamente difícil en la fotografía basada en la película, lo que permite diferentes posibilidades de comunicación y aplicaciones.

La imagen digital está reemplazando rápidamente a la fotografía de película en los mercados de consumo y profesional. cámaras de apuntar y disparar digitales se han convertido en productos de consumo generalizados, vendiendo más que las cámaras de película, y que incluyen nuevas características como el vídeo y grabación de audio. Kodak anunció en enero de 2004 que ya no produciría cámaras recargables 35 mm después del final de ese año. Esto fue interpretado como una señal del fin de la fotografía de la película. Sin embargo, Kodak era en ese momento un jugador menor en el mercado cámaras de película recargable. En enero de 2006, Nikon hizo lo mismo y anunció que van a parar la producción de todos menos dos modelos de sus cámaras de película: la gama baja Nikon FM10, y la gama alta de Nikon F6. El 25 de mayo de 2006, Canon ha anunciado que dejará de desarrollar nueva cámara réflex de película.

Porque la fotografía es popularmente sinónimo de verdad «La cámara no miente.», Imagen digital ha planteado muchas preocupaciones éticas. Muchos reporteros gráficos han declarado que no van a recortar sus imágenes, o se les prohíbe que combina elementos de varias fotos para hacer «ilustraciones» pasarlos como fotografías reales. Muchos tribunales no aceptarán imágenes digitales como prueba debido a su naturaleza intrínsecamente manipulador. La tecnología actual ha hecho de edición de imágenes relativamente fácil, incluso para los fotógrafos principiantes.

1.6.1. Estilos de fotografía

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Introducción a la Fotografía

Fotografía comercial

El mundo de la fotografía comercial se puede dividir a:

• fotografía publicitaria: Fotografías realizadas para ilustrar y suelen vender un producto o servicio. Estas imágenes se realizan generalmente con una agencia de publicidad, empresa de diseño o con un equipo de diseño corporativo en la empresa.

• La moda y la fotografía de glamourEste tipo de fotografía suele incorporar modelos. La fotografía de moda hace hincapié en la ropa o del producto, el glamour hace hincapié en el modelo. Fotografía glamour es popular en la publicidad y en las revistas para hombres. Los modelos de la fotografía de glamour pueden estar desnudo, pero esto no es siempre el caso.

• Fotografía de la escena del crimenEste tipo de fotografía consiste en fotografiar escenas de crimen en robos y asesinatos. Una cámara en blanco y negro o en una cámara de infrarrojos se pueden utilizar para capturar los detalles específicos.

• Todavía fotografía de la vida por lo general representa la materia inanimada, objetos típicamente comunes que pueden ser naturales o artificiales.

• la fotografía de alimentos puede ser utilizado para editorial, packaging o el uso de publicidad. la fotografía de alimentos es similar a la naturaleza muerta fotografía, pero requiere algunas habilidades especiales.

• fotografía editorial: Fotografías realizadas para ilustrar una historia o idea en el contexto de una revista. Estos suelen ser asignados por la revista.

• fotoperiodismo: esto puede ser considerado como un subconjunto de la fotografía editorial. Las fotografías realizadas en este contexto se aceptan como la documentación de una noticia.

• Retrato y fotografía de la boda: Fotografías hacen y se venden directamente al usuario final de las imágenes.

• La fotografía artística: Fotografías hechas para cumplir una visión, y se reproducen para ser vendidos directamente al cliente.

• La fotografía de paisajes: Fotografías de diferentes lugares hechos para ser vendidos a los turistas como postales

El mercado de servicios fotográficos demuestra el aforismo «una imagen vale más que mil palabras», que tiene una base interesante en la historia de la fotografía. Revistas y periódicos, empresas de colocación de sitios web, agencias de publicidad y otros grupos pagar por la fotografía.

Muchas personas toman fotografías para la realización personal o para fines comerciales. Las organizaciones con un presupuesto y una necesidad para la fotografía tienen varias opciones:

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Introducción a la Fotografía

puede asignar a un miembro de la organización o contratar a alguien para disparar exactamente lo que quieren, ejecute un concurso público, u obtener los derechos a las fotografías de las acciones.

La fotografía como una forma de arte

Durante el siglo XX, tanto en fotografía artística y la fotografía documental fue aceptada por el mundo del arte de habla Inglés y el sistema de galerías. En los Estados Unidos, un puñado de fotógrafos, entre ellos Alfred Stieglitz, Edward Steichen, John Szarkowski, y Edward Weston, pasado su vida abogando por la fotografía como un arte.

Al principio, los fotógrafos de arte trató de imitar los estilos de pintura. Este movimiento se llama pictorialismo, a menudo utilizando el enfoque suave para una mirada soñadora, ‘romántico’. En reacción a esto, Weston, Ansel Adams, y otros formaron el f / 64 Grupo de abogar ‘fotografía directa’, la fotografía como una cosa fuertemente fo pie cúbico por segundo en sí mismo y no una imitación de otra cosa.

La estética de la fotografía es un asunto que sigue siendo discutido con regularidad, especialmente en los círculos artísticos. Muchos artistas argumentaron que la fotografía era de la reproducción mecánica de una imagen. Si la fotografía es arte auténtico, entonces la fotografía en el contexto del arte necesitaría redefinición, tales como determinar qué componente de una fotografía hace que sea hermosa para el espectador. La controversia se inició con las primeras imágenes «escrito con la luz»; Nicéphore Niépce, Louis Daguerre, y otros entre los fotógrafos más tempranas fueron recibidos con aplausos, pero algunos cuestionaron si su trabajo se reunió las definiciones y funciones del arte.

Implicaciones sociales de Fotografía

La fotografía es otra de las formas de desarrollo de medios de comunicación. Sirve como evidencia científica, transportadores de noticias, documentos históricos, obras de arte, y el registro de familia. Millones de personas en todo el mundo poseen cámaras y disfrutan de tomar la fotografía. Ellos sólo apuntar la cámara a una cara, un objeto, una escena o un evento y lo toman. A diferencia de otro tipo de formas de medios como la pintura y la escritura fotografía producido imágenes reales mucho más eficiente y fiable. Se ofreció una excelente función de la comunicación.

Al igual que otras tecnologías de la comunicación, la fotografía se extendió la capacidad de comunicación. El tiempo y el espacio ya no son importantes. La gente puede estar en contacto con alguien de un centenar de años en el pasado y aprender historias humanas a partir de fotografías. Además, las fotografías proporcionan evidencia. Algo que oímos acerca, pero la duda, parece probado cuando se nos muestra una fotografía de ella. Una fotografía pasa

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para la prueba irrefutable de que una cosa dada sucedió. Por ejemplo, el uso de la fotografía para la investigación del delito.

La industrialización ha hecho que la fotografía es mucho más fácil de reproducir. Por otra parte, la digitalización de la fotografía a través de toda clase de Computadoras- que se puede reconstruir una imagen tan rápido como ratón corriendo a través de una pantalla- está socavando esa misma fiabilidad de la fotografía como un testigo mudo, no sesgada de la realidad. Es importante decir que esta tecnología multimedia permite que todos sean los productores como para los consumidores al mismo tiempo.

UNIDAD 2. FOTOPERIODISMO

fotoperiodismo es una forma particular de periodismo de la recolección, edición y

presentación de material de prensa para su publicación o difusión que crea imágenes en

para contar una historia de noticias. En la actualidad se entiende generalmente para referirse sólo a imágenes fijas,

y en algunos casos hasta de vídeo usado en el periodismo televisivo. Fotoperiodismo puede caer bajo de todos los sujetos de la fotografía, pero la imagen tiene que ser prolijo noticias para terminar

de ser publicados.

Hay dos tipos de fotoperiodismo.

El primer tipo es el que se utiliza una imagen para ilustrar una historia. Muchos periodistas operación de trabajo en estrecha colaboración con los fotógrafos y la Comisión les para producir imágenes que serán publicados con sus artículos. No hay límite a la cantidad de imágenes utilizado. Esta suele ser la decisión de retoque fotográfico.

El segundo es el que se utiliza una imagen para contar una historia sin palabras. Una sola imagen puede ser usada o hasta diez imágenes se utilizan a menudo en las revistas. Si usted puede escribir – hacerlo; será una ventaja al momento de enviar algunas imágenes.

2.1. Papel de Fotoperiodismo

La mejor manera de ganar experiencia en el fotoperiodismo es hacerlo. estudio en el aula, álbumes de fotos, incluso haciendo fotos no pueden preparar por completo uno para la sensación de que viene cuando se acepta un encargo fotográfico para el dinero. Hay un gran sentido de la responsabilidad cuando alguien está dispuesto a poner dinero en su capacidad para ofrecer una fotografía de aspecto profesional. Puede ser casi devastador si la primera asignación es uno que no puede ser fácilmente re-shot o si algo sale

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Introducción a la Fotografía

incorrecto. Pero la sensación de logro es igualmente grande cuando usted es capaz de ofrecer una buena impresión.

Muchos reporteros gráficos que comienzan aspiran a comenzar en la parte superior mediante la presentación de las imágenes en las revistas nacionales. Si usted puede vender su trabajo a ellos, bien como producto de partida en la parte superior ahorra tiempo. Sin embargo, en la fotografía, como en cualquier otro negocio, la mayoría de la gente encuentra más fácil comenzar en la parte inferior y avanzar a medida que adquieren experiencia. El principal peligro al tratar de vender a las revistas nacionales al comienzo es que puede desanimarse y dejar de fumar sin realmente descubrir si está o no son adecuados para una carrera en periodismo gráfico.

En lugar de tratar de competir con los mejores fotógrafos del mundo para el espacio en las grandes revistas, usted se beneficiará más girando su atención a su periódico local. Estas publicaciones locales ofrecen el principiante serio la oportunidad de probar suerte en el fotoperiodismo sin salir de sus zonas de origen. Se requiere que el fotógrafo en un periódico local para disparar cada tipo de imagen imaginables de noticias y deportes de la moda y la arquitectura.

Hay muchas cualidades que entran en la composición de un fotógrafo de éxito. La mayoría de virtudes tales como la determinación, la imaginación y la perseverancia son la clave del éxito. Cualquier persona que tiene estas cualidades en serio y la visión pueden ser competentes y sobresalir en el campo del fotoperiodismo. En el momento en un reportero gráfico ve a su tema, él sabe de la experiencia pasada lo que la exposición, velocidad de obturación, y el tipo de iluminación que debe utilizar.

Una de las cualidades más importantes de un reportero gráfico es su capacidad de reaccionar rápidamente cuando llega a lo largo de una escena que puede ser prolijo noticias.

elementos de la lista, que pueden ser noticias prolijo, son imágenes de impacto, fotos de las personas para el Medio Ambiente, los nuevos edificios.

Si usted es serio sobre el fotoperiodismo construir una colección de imágenes de su área. Muchas de estas imágenes no será una buena noticia inmediata prolijo, pero puede ser una noticia prolijo en el camino. Tomar fotografías de todas las fábricas y edificios de la zona. Algún día puede cerrar una fábrica y puede que no sea capaz de llegar a la escena. También tienen un montón de imágenes empresarios y políticos locales.

Algunos reporteros gráficos tienen la suerte de obtener las tareas de periódicos o revistas, la mayoría tiene que seguir o encontrar las noticias de ganarse la vida. Para aquellos que muestra fotografías fijas precisa, información de la leyenda escrita correctamente todavía se considera una necesidad. Esto puede desaparecer a medida que se muestran más proyectos en un mensaje multimedia

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Introducción a la Fotografía

ambiente. Sin embargo en el futuro previsible editores quieren contratación títulos claros, limpios y comunicativas que están controladas hechizo y la gramática controladas.

El mundo de la fotografía digital ha hecho el trabajo del reportero gráfico mucho más fácil. Ser capaz de ver, analizar y correo electrónico imágenes a un editor instante es una ventaja enorme.

El trabajo de un reportero gráfico puede ser extremadamente duras – tomado fotografías en todo tipo de condiciones extremas y en situaciones muy peligrosas. Muchos reporteros gráficos mueren cada año en zonas de guerra y en diferentes desastres naturales en todo el mundo.

Vivimos en un mundo, donde las noticias de hoy está olvidado mañana y la necesidad de conseguir

las imágenes rápidamente a la editorial es tan importante. Si tiene imágenes que son noticias prolijo que no se demore enviarlos a una agencia de noticias o editor. No lo harán

permanecer en las noticias mucho tiempo.

¿Qué cualidades son más importantes para los que quieren seguir una carrera tan?

• Un deseo de estar “en el mundo“: Los fotógrafos de narración hacen tomarlos en la comunidad. Esa podría ser la comunidad local, donde un fotógrafo hace su hogar. También podría ser que la comunidad mundial. Las opciones son infinitas, dependiendo de la distancia de un campo que el fotógrafo quiere trabajar. Pero la clave es que los reporteros gráficos de narración hacen, cualquier herramienta que eligen usar, no están en casa en su estudio o apartamento. El trabajo es en el mundo con la gente. A diferencia del mundo de las bellas artes en el que el objetivo es que el fotógrafo para contar su historia al mundo, en el fotoperiodismo fotógrafo / narrador se concentra en la historia de otras personas.

• Capacidad técnica: Si uno es un director de documentales, un narrador multimedia o la fotografía fija reportero gráfico, las herramientas actuales consisten en cámaras electrónicas y ordenadores. Cine y vídeo se han ido. Las imágenes se capturan en los medios digitales. El cuarto oscuro se ha ido. Hoy las computadoras sirven como el cuarto oscuro digital y como máquinas de edición de vídeo. Los fotógrafos tienen que estar dispuestos a aprender lo esencial, comprar el engranaje clave que necesitan, y luego seguir el ritmo de los cambios tecnológicos en evolución. El nuevo software, la mejora de las cámaras, discos duros y ordenadores vienen volando a los profesionales que trabajan con las actualizaciones que requieren el aumento de velocidad y una inversión adicional significativa, al menos cada 18 meses, probablemente cada 12 meses.

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Introducción a la Fotografía

• Comprensión y un compromiso con las normas éticas: Con la gran grado de manipulación de imágenes visibles en la publicidad, los anuncios de televisión y los efectos especiales en películas, es fácil asumir que “todo vale”, no importa qué parte del mundo visual se trabaja en la actualidad. Tal no es el caso para el reportero gráfico. Los fotógrafos que cubren el mundo y sus historias son mucho más en el modo de “grabar lo que se ve, el presente lo que viste.” Sí, imágenes y vídeo se ajustan electrónicamente para realizar esta llanura al espectador. Pero el concepto de no manipular imágenes para alterar su significado aún está en juego para el reportero gráfico moderno.

• Persistencia: Esto viene de una unidad para obtener la historia. Los reporteros gráficos, como escribir periodistas, se les suele decir “no”. Los periodistas de más éxito simplemente no aceptan la más reciente ‘no’ como respuesta final. Los mejores periodistas presionan sobre sin ser desagradable al respecto y simplemente siguen buscando la historia con la siguiente llamada telefónica, la siguiente solicitud para una entrevista.

Esta misma persistencia entra en juego cuando se trata de irrumpir en el negocio

y luego una vez en, al avanzar hasta la escalera. El paso de una publicación a otra, de una empresa a otra o subir a las filas de las publicaciones “mejores”

o salida de vídeo requiere tiempo, energía y, a menudo, las visitas repetidas para mostrar su trabajo.

2.2. Importancia de Fotoperiodismo

Fotoperiodismo es un aspecto importante para los medios de comunicación. Para la mayoría de la gente que lee los periódicos o ver las noticias, son las fotografías que resumen lo que se ha escrito. Esto hace que la lectura de periódicos y noticias de informes mucho más eficaz como ahora se puede relacionar la noticia a escenas de la vida real y entender completamente lo que debe ser como estar en ese lugar real en ese momento real. Esto se aplica especialmente para personas que no son demasiado aficionado a leer el periódico o ver las noticias. Para estas personas, son las imágenes que transmiten las noticias.

Fotoperiodismo es un tipo de periodismo que depende de imágenes para contar una historia. No es la fotografía clásica como las imágenes tomadas son en su mayoría o totalmente relacionada con una noticia o evento. No son por lo general para el entretenimiento o la apreciación pero más por el transporte de una noticia. Estas imágenes tienen que ser relevantes para la sociedad, informativo y debe ser capaz de transmitir lo que está sucediendo en el mundo. Las imágenes también deben poseer una cualidad objetiva. Es muy importante que la fotografía es relevante para que se informó el contexto de la historia.

Fotoperiodismo ha alcanzado el mismo rango que las demás formas de periodismo. A condición de un medio que es parte de la corriente diaria de la información y a la cual

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los lectores tienen una actitud crítica. Fotoperiodismo no se ha vuelto más o menos creíble, al igual que el periodismo no se ha vuelto más o menos creíble. Los reporteros gráficos deben asumir el papel de la narración en lugar de verse a sí mismos como ilustradores de artículos.

Mayores demandas se hacen en los reporteros gráficos, sino también en otros usuarios de imágenes tales como periodistas, asistentes editoriales y editores. Los reporteros gráficos están tratando de llamar la atención en un entorno cada vez más orientada visualmente y por lo tanto los reporteros gráficos deben hacer uso de técnicas de narración visual a ser mejores contadores de historias. Cada fotografía periodística debe contar su propia historia. El retrato donde los ojos atrapan al lector y cuentan historias sobre la vida de la persona. La extraña luz sobre un paisaje natural. O en el momento gracioso de la vida cotidiana que estimula la memoria del lector.

Todas las historias fotográficas deben basarse en un ángulo que crea fotográfica de identificación para el lector. Hace que el lector se sienta sorprendido, emocional, o simplemente estimulados a pensar en algo. Esa es la fuerza de la fotografía! La historia es siempre lo más importante – el contenido principal. Las herramientas de narración Encuadre la fotografía de manera que sostienen y refuerzan los contenidos. Una fotografía bien compuesta que hace buen uso de su modo de expresión para adaptarse a la historia es más eficaz y hace una mayor impresión en el lector. Se comunica mejor.

Las fotografías no proporcionan a los lectores con respuestas. Una fotografía no le dirá por qué un niño está llorando. Por lo tanto, es doblemente importante que el escrito y la historia fotográfica se complementan entre sí y utilizar fortalezas de los demás. La fuerza del fotoperiodismo radica en la capacidad de comunicar sentimientos y la reacción inmediata de los lectores. periodismo escrito que le da las respuestas a quién, qué y por qué. El reportero gráfico debe reflexionar sobre su historia y de la periodista y la mejor manera de expresar visualmente. Los medios y las opciones deben ser consideradas y un ángulo común determinados, por lo que la historia final proporciona al lector información, así como las experiencias.

2.3. Elementos de Fotografía

Fotografía ganado el interés de muchos científicos y artistas de su creación. Los científicos han utilizado la fotografía para grabar y movimientos de estudio, como el estudio de Eadweard Muybridge de la locomoción humana y animal en 1887. Los artistas son igualmente interesado por estos aspectos sino también tratar de explorar vías que no sean la representación foto-mecánica de la realidad, como el pictorialista movimiento.

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Militares, la policía y las fuerzas de seguridad utilizan la fotografía para la vigilancia, reconocimiento y almacenamiento de datos. Fotografía se utiliza para conservar los recuerdos de favoritos y como una fuente de entretenimiento.

En su definición más simple, una composición es una combinación, o arreglo, de elementos. Una composición fotográfica es la disposición de los elementos visuales y, como tal, es el producto de la visión de un fotógrafo y su habilidad para ver, identificar, organizar, y enmarcando la imagen terminada. Esta es una habilidad claramente distintas de las necesarias para operar con éxito una cámara o calcular la exposición.

En general, buenas imágenes son el resultado de una cuidadosa atención a algunos elementos básicos de composición, junto con la iluminación adecuada y un tema interesante. Hay, sin embargo, de ninguna manera «correcta» de hacer una foto. Tres fotógrafos que registran la misma escena pueden crear fotografías igualmente atractivo con una composición totalmente diferente.

2.4. Punto de interés

Identificar un punto principal de interés antes de tomar la fotografía. Una vez que haya determinado qué zona es la más importante para usted, usted puede componer hacer hincapié en ella. El estudio de las fotografías de publicidad es una buena manera de conocer con énfasis en la composición.

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Sencillez

Asegúrese de que sólo las cosas que quieren que el espectador vea aparecer en la imagen. Si

hay numerosos objetos que saturan el fondo, se perderá su mensaje. Si no puede encontrar un ángulo o marcos para aislar el sujeto, considere el uso

profundidad de control de campo para mantener el fondo fuera de foco.

Contraste

Un sujeto luz tendrá un mayor impacto si se coloca contra un fondo oscuro y viceversa. El contraste de colores se pueden utilizar para dar énfasis, pero puede convertirse en distracción si no se considera cuidadosamente.

Equilibrar

En general, el equilibrio asimétrico o informal se considera más agradable en una fotografía de equilibrio formal simétrica. En otras palabras, colocando el tema principal fuera del centro y equilibrar el «peso» con impacto otros objetos más pequeños o menor será más eficaz que la colocación de la materia en el centro.

Enmarcado

Un «marco» en una fotografía es algo en el primer plano que le lleva en la imagen o le da un sentido de la ubicación del usuario. Por ejemplo, una rama y algunas hojas que enmarcan un tiro de colinas y un valle, o el borde de un imponente

cara de la roca que conduce a un disparo de un cañón. Framing por lo general puede mejorar una imagen. El «marco» no necesita ser enfocado agudamente. De hecho, si se detalla demasiado bruscamente,

que podría ser una distracción.

Punto de vista

A menudo se puede cambiar drásticamente una imagen moviendo la cámara hacia arriba o hacia abajo o, dando un paso hacia un lado. Una de las mejores maneras de llegar con una fotografía premiada es encontrar un punto de «inusual» de vista.

Dirección de movimiento

Cuando el sujeto es capaz de movimiento, como un animal o persona, lo mejor es dejar espacio delante del sujeto por lo que parece estar moviéndose en vez de salir de la fotografía.

diagonales

elementos lineales, tales como carreteras, vías fluviales, y vallas colocadas en diagonal se perciben generalmente como más dinámico que horizontales.

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2.5. Regla de los tercios

Por último, pero no menos importante, es algo que se llama la «regla de los tercios». Este es un principio que se enseña en el diseño gráfico y la fotografía y se basa en la teoría de que el ojo va naturalmente a un punto cerca de dos tercios hasta la página. Además, al dividir visualmente la imagen en tres partes, ya sea vertical u horizontalmente a lograr el equilibrio informal o asimétrica mencionado anteriormente.

Aunque hay muchas maneras de una fotografía se puede componer de manera efectiva por lo base en el uso de «terceras partes», el ejemplo más común es la colocación de la línea del horizonte en la fotografía de paisaje. Si el área de interés es la tierra o el agua, la línea del horizonte por lo general será de dos tercios del fondo. Por otro lado, si el cielo es el área de énfasis, la línea del horizonte puede ser un tercio desde el fondo, dejando el cielo para ocupar los dos tercios superiores.

2.6. Papel de visualizaciones

Se ha dicho que un buen fotógrafo puede tomar una foto con una cámara oscura hecha de una caja de zapatos. En la actualidad, un buen fotógrafo puede hacer una buena imagen de cualquier cosa que él puede ver. Pero viendo requiere un «ojo». Uno tiene que «ver» la imagen antes de que se abra el obturador. No todo el mundo ve el tema de la misma manera, y no todo el mundo puede ver la imagen. Pero la mayoría de las personas pueden aprender a «ver» a través de la capacitación y experiencia. Es un proceso lento, que tiene su propia recompensa.

El punto de «ver» se ilustra muy bien cuando nos encontramos con un tema interesante. La reacción inmediata es hacer varias exposiciones en el acto. Pero es mucho mejor para hacer una pausa y examinar el tema desde diferentes puntos de vista, desde diferentes ángulos, y para caminar alrededor de ella si no es demasiado grande o por lo menos para poder verla más de 180 grados.

Observar la iluminación a medida que cambia las posiciones; observar el primer plano, el fondo, y la composición. Use un readymount troquelada para enmarcar, y moviéndolo hacia atrás y hacia adelante usted sabrá cuánto tiempo una lente que necesita. Aquí es donde la lente de zoom es mejor ya que se puede llenar el encuadre con exactitud sin moverse. Luego, con la cámara en un trípode, hacer su exposición. No sostenga la mano; la mejor lente no va a producir una imagen nítida críticamente si hay el más mínimo movimiento de la cámara.

Cuántas diapositivas del mismo tema se puede pedir? Dos o tres a lo sumo si se destinan para la competencia. Es la calidad, no la cantidad lo que cuenta. Este último es un desperdicio de película. Se ha oído hablar de la gente presumiendo que dispararon 60 rollos de

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película en un viaje de 12 días. Eso es cinco rollos por día, 180 exposiciones. Ciertamente no había 180 sujetos; tantas vacunas tenían que ser de cada sujeto. Es cierto que a menudo se les aconseja tomar un montón de cine, el doble de lo que pensamos que necesitamos. Pero eso no quiere decir que debemos utilizar todo eso. Se trata simplemente de un seguro que no nos quedamos sin película.

Horquillado es un buen seguro para los mejores resultados en situaciones de iluminación difíciles, pero apenas necesario para todo. Sin embargo, es una buena fotografía para hacer más de un disparo de un tema desde diferentes ángulos y en diferentes tamaños de imagen con una lente de zoom.

¿Qué pasa con los talleres de interior y configuraciones de origen, donde el fotógrafo tiene un control completo sobre todas las cosas? La visualización juega un papel importante en la fotografía la vida sigue así. Por lo general, visualizamos la imagen antes de la creación de la materia y la fotografía de ella. Muchos grandes fotografías se han hecho de esta manera. Otra técnica es la creación de un sujeto a partir de materiales del taller.

Medios de visualización para formar una imagen mental. Tenga en cuenta que no hay una palabra como la previsualización. Cuando se tiene un control completo no hay necesidad de exposiciones del soporte. Para ello muestra la incertidumbre de la técnica.

El arte de ver se extiende también a la competencia, tanto en el centro de la cámara y en otras competiciones, como exposiciones internacionales, en los que algunos jueces son largos en «reglas» y corto en la creatividad; de largo en triteness; corto en la crítica constructiva y débil en la estética. ¿Ha escuchado un juez diga «No sé de qué se trata», cuando una imagen abstracta, creativo aparece en la pantalla, tales como cristales? Él / ella está en una pérdida para las palabras. Al menos el juez podía hacer comentarios sobre elementos de la composición, tales como la línea, el color y la masa. Nuevos conceptos aparecen de vez en cuando y representan un avance. Hay que estar alerta para ellos y ser objetivo y libre de prejuicios.

Cámaras en la parte superior de la línea son instrumentos de precisión costosas para los fotógrafos aficionados y profesionales avanzados. Dichas cámaras no deben ser comprados por los símbolos de estatus. Cuando todo está dicho y hecho acerca de la fotografía, las cámaras de precisión siguen siendo únicas herramientas sofisticadas. menos costosas cámaras pueden producir igualmente buenas imágenes para el trabajador medio. Una persona hábil, creativo y estético se requiere con el fin de utilizar las características de la cámara para el máximo provecho. Simplemente apuntando y disparando, dejando que la cámara haga el resto de forma automática a menudo no produce ganadora del premio imágenes. La cámara no piensa, pero es la herramienta del fotógrafo pensar que puede formular en su / su mente una imagen superior.

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ntroducción a la Fotografía

La fotografía es un lenguaje. Al igual que la palabra escrita o hablada, la fotografía tiene su propio vocabulario y su gramática. Fotografía que se podría llamar un arte de la selección. Un fotógrafo trabaja con un vocabulario formado por los elementos visuales que existen a nuestro alrededor. Todo lo que vemos puede ser un elemento visual.

La gramática de la fotografía es el orden en que se seleccionan los elementos visuales, aislado, relacionados con otros elementos, o de otra manera hicieron hincapié en una fotografía. La elección y la disposición de los elementos visuales son las técnicas de un fotógrafo utiliza para comunicar una idea.

2.7. JERGA DEL FOTÓGRAFO

Cualquier persona puede tener problemas y los errores pueden. Entonces, ¿qué son estas jergas que se enfrentan los nuevos fotógrafo, que les lleva a cometer errores? La mayoría de ellos son causados generalmente por la falta de concentración.

1 imágenes borrosas : Fotos borrosas son generalmente el resultado de movimiento de la cámara. La forma más sencilla de solucionar este problema es comprar y usar un buen trípode, robusto. Si no se puede disparar con un trípode, recuerde usar un ISO más rápido en las cámaras digitales o películas más rápido en las cámaras de película. Esto le permite aumentar la velocidad de obturación. Cuanto más rápida sea la velocidad de obturación, menos probabilidades tendrá de sufrir de movimiento de la cámara.

2 Contraste Fotos : Estos provienen de situaciones de iluminación de alto contraste. Aprender a reconocerlos. Fotografiando en el bosque en un día soleado es un ejemplo de una situación de alto contraste. Fotografiar a mediodía en un día brillante y soleado es una situación de alto contraste.

El contraste puede ser mitigado con difusores y flash de relleno, dependiendo de las circunstancias. Por lo general, la mejor solución es esperar mejores condiciones. Otro truco es disparar con película de bajo contraste. de Kodak Portra B & W 400 es una buena película para utilizar en situaciones de alto contraste.

3 impresiones Undere Xposed Fotos : Subexposición a menudo resulta de dejar que la cámara tome todas las decisiones de exposición. Recuerde, medidor de la cámara quiere que todo sea medio o gris. Si usted hace uso de las funciones de exposición automática, un error común proviene del uso de compensación de la exposición automática y luego olvidarse que lo haya hecho. Asegúrese de obtener suficiente luz en la escena antes de pulsar el disparador. Con películas fotográficas, es mejor que sobreexponer underexpose, por lo que al soporte, lo hace a la parte alta, es decir, más de una parada, además de dos paradas.

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Introducción a la Fotografía

4 toboganes Sobreexpuesta Fotos : Al igual que la subexposición, sobreexposición puede ser resultado de dejar que la cámara tome todas las decisiones. Con película de diapositivas, la sobreexposición significa destellos luminosos y eso significa que la información perdida. Basando su exposición en áreas de sombra u oscuras y dejar que la cámara ajuste la exposición es una fórmula para diapositivas sobreexpuestas. Buscar algo a medio metro de distancia o, mejor aún, un medidor de los aspectos más destacados. Sólo asegúrese de que sus toques de luz no serán más de dos y medio por 2 ½ detiene más ligero que el medio.

5 ojos rojos : Este es un problema común que resulta de flash de la cámara. Mueva su flash off-eje. Utilice un soporte de flash y el cable de conexión. También puede rebotar el flash de un techo o pared. También se puede utilizar el flash remoto desencadena para disparar un flash que se monta en un soporte o en cualquier otro lugar, siempre y cuando no esté en la cámara.

→ Red Eye

6 Resplandor del objetivo : Flama se produce cuando la luz directa golpea el elemento frontal de la lente y la luz empieza a rebotar

por el interior de la lente. Esto hace que la luz se refleje fuera de todos los elementos. Esto puede reducir el contraste y hacer que sus cuadros parecen «nebuloso». Por lo general, el resultado es una serie de notas redondas a través de su imagen. Asegúrese de utilizar un parasol para ayudar a prevenir esto. A veces, usted necesita más de un parasol. Trate de usar su mano o un sombrero para proteger el objetivo. Si hay alguien con usted, pregunte a él o ella para reposar para que arrojan una sombra sobre la lente. A veces es difícil de detectar reflejo en la lente cuando se mira a través del visor; el uso de la profundidad de campo botón de vista previa hará esto más fácil.

7 Obstrucción : Esté atento a los intrusos que intentan hacer su camino a sus imágenes. Ramas, de las hojas de hierba de enfoque, cables telefónicos; todo esto y más pueden actuar como distracciones.

La mayoría de los visores muestran sólo alrededor del 92-95% de la imagen. Tenga esto en cuenta al fotografiar. Es posible que desee para tratar de cambiar su cámara para ver lo que hay en los bordes.

Algunos intrusos son difíciles de ver en el visor, simplemente porque son demasiado cerca y no en foco. Al llegar sus imágenes volver a ver las cosas que usted no vio antes. Recuerde, usted está mirando a través de su lente en su máxima apertura, por lo tanto la menor profundidad de campo. Hay cosas que no estarán en el foco. Utilice el botón de vista previa

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y verá a cualquier intruso. Si usted no tiene un botón de vista previa, trate de concentrarse en toda la gama de su lente para ver lo que pueden aparecer.

8 Vignetti ng: Esto es lo que sucede cuando los artículos invaden los bordes exteriores del campo de visión de lente de la cámara. A menudo es causada por el apilamiento de filtros, o mediante la adición de parasoles de lentes que tienen filtros adjuntos. Otros accesorios, como soportes de los filtros, también pueden causar viñeteado. Si el visor muestra menos del 100%, puede que no sea capaz de ver que esto ocurra. Hacer algunas pruebas. Poner en todas las diferentes combinaciones de filtro / campana que se pueda imaginar y fotografiar a una pared en blanco.

9 partes de color ; matices de color pueden resultar del uso de la película equivocada, película obsoletos o en mal estado o se dispara en sombra profunda.

Si utiliza película de la luz del día-equilibrada como Velvia o Ektachrome Elite y fotografías de interior, se puede obtener algunos resultados muy extraños. Bajo la luz de tungsteno, luz de una lámpara normal, que va a terminar con una dominante de color muy cálido. Si estás rodando bajo luz fluorescente, verá un tinte verdoso.

Si el problema es la película equivocada, la solución es utilizar un filtro de corrección de color. Para tungsteno, utilizar un filtro en la serie 80. Estos filtros son de color azul y se equilibrarán el amarillo de la luz de tungsteno. Para fluorescente, utilizar un filtro FL. Si está utilizando flash en interiores como su única fuente de luz, que no debería tener un color fundido.

La otra solución es utilizar la película correcta. película equilibrada tungsteno se hace para el uso bajo luz de tungsteno y dará lugar a los colores correctos están grabando. Disparo en la sombra en un día soleado dará como resultado es un tono azulado. Después de todo, la fuente de luz predominante es el azul del cielo. Utilice un filtro en la serie 81. Estos filtros de color amarillento se equilibrarán el azul.

10 inclinado Horizons : Descentrado o horizontes inclinados son probablemente el error más común que todos hacemos y hay varias maneras de resolver este problema rápidamente. Nuestro favorito es el uso de una pantalla de enfoque con una rejilla grabada en ella. Estos están disponibles para muchas cámaras; consulte el manual. Dos cámaras, la Nikon N80 y la Nikon D100, incluso tienen pantallas de rejilla que puede activar o desactivar la función personalizada.

Otra solución es simplemente un paso atrás y ver si su cámara mira a nivel mundial. A continuación, echar otro vistazo a través del visor. A veces tenemos que acercar el visor desde un ángulo debido a la posición de la cámara. Tomando otra mirada a través del visor con el nivel de la cabeza ayudará también.

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Hay veces, sin embargo, cuando la cámara puede estar al mismo nivel, pero el horizonte aparecerá inclinada. Esta aparente resultados de basculación de retroceso de líneas de costa; las partes más estrechas de la costa son más bajos en el marco. Acaba de ser conscientes de este fenómeno para que pueda decidir si es algo que va a ser una distracción o no.

Conclusión: Si usted es un fotógrafo experimentado o un nuevo juego de disparos, estos diez problemas pueden arrastrarse para arriba en usted. Así revisar esta lista a menudo y hacer una lista mental de usar cada vez que se fotografía. Usted notará un aumento inmediato en la calidad de las imágenes

EQUIPO FOTOGRÁFICO

2.8. La elección de la cámara

Un buen fotógrafo puede tomar buenas fotos con cualquier cámara. un niño de 8″ X 10″vista de la cámara combina el máximo control de la imagen con el mínimo de portabilidad. Una cámara de 35 mm tiene una tremenda movilidad a expensas del tamaño de la imagen. Las 120 cámaras se colocan en el medio. Ofrecen una mejora de las peores características de cada uno sin igualando las mejores características de ambos. Dado que más fotógrafos se especializan en ciertos tipos de fotografía, la cámara que más utilizan es la que mejor se adapta a las asignaciones que reciben con mayor frecuencia. Pero, obviamente, el más equipo que tiene que elegir, mientras más cerca se puede llegar a cumplir con los requisitos exactos de cada asignación.

aliado más valioso del reportero gráfico en su búsqueda constante de nuevos o diferentes imágenes es su propia imaginación, pero hay momentos en que una nueva pieza de equipo puede producir show-stopping imágenes mediante la presentación de sujetos cansado en una perspectiva completamente nueva, o incluso por que nos muestra algo nunca hemos visto antes. Los ejemplos incluyen carcasas submarinas de la cámara, la lente gran angular Nikon ojo de pez, y los dispositivos de control remoto que permiten cámaras que se adjunta a la parte exterior de los aviones en vuelo y otros lugares donde nunca han estado antes. Sin embargo, este nuevo equipo es inútil sin la imaginación de un fotógrafo creativo.

La cantidad de tiempo y dinero que una publicación está dispuesto a permitir que sus fotógrafos para gastar en sus fotografías determinará en gran medida la calidad de las imágenes que aparecen en esa publicación. También ayudará a determinar el tipo y cantidad de equipo que el fotógrafo va a utilizar en la cobertura de sus tareas.

Antes de seleccionar una cámara al fotógrafo debe decidir qué tamaño que la película / ella va a utilizar. Hace diez años todos los fotógrafos de periódicos usados 4″ X 5″ lámina de hoja.

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Un gráfico de velocidad con una docena 4″ X 5″película titulares de pesos más de diez libras, mientras que una cámara 120 o 35 mm con dos rollos de pesos de película de menos de un tercio como mucho y ocupa un tercio del espacio. Las cámaras más pequeñas son también más rápido y

más fácil de operar. El viejo 4″ X 5″pulse cámara es probablemente la más compleja cámara que uno se pueda encontrar. Para hacer una exposición del fotógrafo debe insertar el soporte de la película, tirar de la corredera, amartillar el obturador, disparar el obturador, e insertar la diapositiva. En las cámaras más pequeñas sólo tiene que pulsar el botón y hacer avanzar la película.

2.9. La Película Papel y cortar la lámina:con el equipo de laboratorio adecuado hay poca diferencia de tiempo entre la película y la película de rollos adecuados cortar. Cuando se señaló

que una hoja de 4″ X 5″ costará alrededor de 11 en lugar de 50 para un rollo 12 de exposición de 120

película 4 exposiciones en el rodillo 120 con el cambio de la 4″ X 5″tamaño de la película, se plantea la cuestión si ir a 120 o 35 mm. Tal vez uno debe haber visto los anuncios que muestran los 22 fotógrafos del personal de las noticias diarias o los empleados con 35 mm de Nikon. Muchas grandes trabajos han elegido el tamaño de película de 35 mm para la mayoría de su trabajo. La facilidad y la velocidad de funcionamiento, junto con la enorme variedad de equipo disponible en 35 mm no se encuentran en ningún otro tamaño de la película. Para el propósito de comienzo en el fotoperiodismo, sin embargo, se prefiere una cámara que utiliza 120 película.

Cuarto oscuro: algunos de los más grandes periódicos metropolitanos tienen cuartos oscuros equipados para desarrollar la película a una gamma estándar y la prueba de los negativos en cuestión de minutos, de forma totalmente automática. Pero el laboratorio que uno puede encontrar en cualquier periódico local podría ser cualquier cosa, desde un armario de escobas convertido a un moderno cuarto oscuro hasta al día. Puede ser configurado para 35 mm, pero probablemente estará mejor equipado para manejar 120 películas.

La cámara para imágenes fijas: Más pequeños periódicos utilizan cámaras que producen un 2-1 / 4″

X             2-1 / 4″negativo en 120 película. Este tamaño negativo tiene la ventaja de que se puede obtener para una variedad de cámaras, muchos de los cuales son relativamente bajos en coste y

producir negativos de alta calidad. El tipo más popular de 2-1 / 4″ X 2-1 / 4″es el reflejo de la cámara de doble lente. Esto incluye la Rolleiflex, Yachica y Minolta. Todo son ampliamente utilizados en el trabajo diario. Un tipo más de la cámara está haciendo su aparición.

Esta es una cámara más pequeña de tipo prensa utilizando rollo de película o película cortada en un 2-1 / 4″ X 2-1 / 4″ o 2-1 / 4″ X 3-1 / 4″ tamaño negativo.

Se espera que normalmente todas estas cámaras para dar un buen servicio y una duración de varios años si se les da la atención adecuada. Con demasiada frecuencia, los periodistas llevar sus cámaras en el

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laboratorio de quejarse de imágenes borrosas, arañazos en sus aspectos negativos, y persianas lentas. Sus cámaras han caído en la primera y oscilado en el coche

bañador. Ellos son muy sucio dentro y por fuera. Las lentes están cubiertos de polvo, huellas dactilares, e incluso los productos alimenticios comestibles y sus dueños se preguntan por qué no funcionan

correctamente. Algún tipo de aparatos de iluminación es absolutamente esencial para el fotógrafo de prensa. La mayoría de los periodistas utilizan, de una sola unidad de luces estroboscópicas electrónico pequeño, decenas de que están en el mercado.

Los flashes y luces estroboscópicas: Estas pequeñas luces estroboscópicas son compactos y fáciles de usar, y que dan luz suficiente para la mayoría de situaciones fotográficas. Ellos no lo hacen, sin embargo, tiene el poder suficiente para cubrir todas las situaciones. Para el principiante un flash profesional, como la unidad Graflite de tres celdas con un reflector de cinco pulgadas es mejor. Se células para con un No. 5 flashbulb; Este flash pone a cabo cuatro a seis veces más luz que la mayoría de las luces estroboscópicas pequeñas.

luces estroboscópicas grandes con una fuente de alimentación separada están disponibles a precios moderados. Estos son más pesados y más voluminosas que las luces estroboscópicas de una sola unidad, pero la mayoría de ellos dan más luz.

el flash: Aunque el costo inicial de un flash es mucho menor que el de una unidad estroboscópica, el costo de las lámparas de flash eleva gradualmente el costo de sobre-todo. Pero a pesar de ello tiene que utilizar casi 600 Nº 5 bombillas antes de que el costo de un flash y bombillas sería igual al costo de una pequeña luz estroboscópica electrónica. En ese momento deberá han adquirido la experiencia suficiente para decidir sobre el tipo de equipos de iluminación que se adapta mejor a sus necesidades.

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2.10.UNIT 3. Composición

Composición, el acto de componer la imagen en el visor, es un proceso visual de la organización de los elementos y detalles individuales de una escena en una disposición equilibrada y agradable. Porque lo que una sola persona se encuentra agradable, otra persona no lo hará, la composición es en gran medida una cuestión de gusto personal.

No hay manera correcta o incorrecta composición en la fotografía. Una composición que transmite una

significado deseado del fotógrafo es uno efectivo. Una composición que no lo hace, o que confunde al espectador no lo es.

Composición en la fotografía tiene que ver con la organización de los elementos en sus fotos para un máximo impacto.

En nuestro mundo moderno de las cámaras automáticas, que se centran para nosotros y ajustar la exposición de una manera cada vez más perfecta la mayor parte del tiempo), la mayor diferencia entre una buena fotografía y una mediocre es la composición.

En cada fotografía que tomamos, podemos decidir dónde están los límites de esa foto serán, llamado el recorte. También podemos elegir el punto de vista. Si está tomando fotografías de personas o objetos móviles a continuación, a menudo, también tenemos la posibilidad de organizarlos en las formas deseadas.

Si desea capturar paisajes u otros objetos inamovibles, entonces debe componer la imagen moviendo usted mismo y decidir dónde colocar los puntos de interés en su imagen.

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Hay varias reglas de composición, lo que ayudará a componer imágenes agradables; sin embargo, usted encontrará a menudo que una imagen realmente sorprendente mostrará un flagrante desprecio por las reglas. Una vez que esté consciente de las reglas y luego romperlas todas las veces que desee, pero, al menos, sabe que está rompiendo ellos y por qué.

Regla de los tercios

los fotógrafos de paisaje son particularmente aficionado a éste, pero funciona bien para muchos tipos de sujetos. La regla de los tercios dice simplemente que, en lugar de colocar el foco principal de interés en el centro de la trama, que se pone un poco aburrido, que busca posicionarse en una intersección de las terceras partes.

El uso de las diagonales

Configuración de su tema en una diagonal voluntad casi siempre hacen para una imagen más dinámica. Incluso si se trata de una diagonal invisible que dibuja su ojo entre dos puntos. Moverse por el tema y buscar una diagonal. El pueblo error más común que cometen cuando se toman fotografías no está llenando el cuadro con el tema. Si se trata de una foto de la abuela saludando desde la puerta, vamos a ver la abuela y la puerta, ni la mitad de las casas en la calle con una mancha en forma de pequeña abuela en el medio. El culpable de este fenómeno es la ayuda de enfoque en el centro del visor.

La mayoría de las cámaras tienen algún tipo de círculo o rectángulo grabado en el cristal y que se inclinan a pensar, en nuestros momentos menos pensados, que se trata de todo el área de la imagen. Tome un momento para mirar alrededor del visor para ver lo que ha conseguido en los bordes y en especial en las esquinas. Mirar hacia fuera para el desorden en el fondo, que farola que crecen fuera de la cabeza de la abuela. Asegúrese de que todo en el visor está allí porque usted quiere que sea.

Horizontal o Vertical

Mucha gente nunca, nunca encender su cámara en su lado y disparar una imagen vertical. Puede ser un poco incómodo para sostener hasta que se acostumbre a ella, pero, lo que es una diferencia que puede hacer a la imagen. Si usted está tomando una foto de una persona, entonces es esencial para disparar en posición vertical, que los residuos tanto de área de imagen a los lados si no lo hace.

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Punto de vista

Selección de su punto de vista, la posición desde la que se fotografía el sujeto, es una parte muy importante de la composición y que algunas personas pagan muy poca atención. Al tomar una foto de un grupo de amigos, ¿con qué frecuencia se mueve en torno al grupo buscando el mejor ángulo?

La primera diferencia, más obvia entre uno y otro punto de vista es el fondo. Si está fotografiando un sujeto que no se pueden mover fácilmente, la única manera de cambiar lo que está en el fondo es elegir un punto de vista diferente.

El tema en sí puede parecer bastante diferente se ve desde diferentes ángulos. Las fotos pueden ser hechas a asumir una dinámica totalmente nueva seleccionando un ángulo de vista extremo. Disparar una gran cantidad de imágenes, especialmente fotografías de deportes, que se establecen, para conseguir la cámara tan cerca del suelo como sea posible.

También el punto de vista puede cambiar muy drásticamente, especialmente con lentes de ángulo más amplio. Si fotografía una longitud total persona con un objetivo gran angular de una posición derecha, la cabeza será demasiado grande en proporción con el resto de su cuerpo. Si, por el contrario, te arrodillas y disparar la misma imagen de la altura de la cintura, se verá que todo el cuadro está mejor proporcionado.

Al disparar al aire libre, el punto de vista que elija también afecta la forma en que la luz del sol cae sobre el sujeto.

Existen 3 formas básicas para organizar los elementos dentro de su composición.

• Físicamente mover objetos respecto a la otra. Sólo funciona con la fotografía naturaleza muerta.

• Decirle a la gente a moverse uno respecto al otro u otros objetos. Sólo funciona con personas que pueden oír.

• ¡Moverse! Por lo general, la forma más eficaz de controlar su composición es alterar su punto de vista.

«No hay reglas para las buenas fotografías, sólo hay buenas fotografías.»

2.11. Las cámaras y FOTO

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: Introducción a la Fotografía

2.11.1.Shutter velocidad

Velocidad de obturación, medido en segundos, se refiere a la cantidad de tiempo que el obturador de la cámara permanece abierto para dejar entrar la luz a través del lente para grabar una imagen determinada sobre la película.

La velocidad de obturación estándar que un fotógrafo utiliza generalmente en un día soleado es de 1 / 125ª de segundo. Un fotógrafo ajusta la velocidad de obturación de acuerdo con algunos de los siguientes factores:

abertura de la abertura

luz disponible en la escena

Efecto deseado

velocidad de la película

El ajuste de velocidad de obturación afecta tanto a la exposición a la luz a la película y el movimiento de forma se representa en la foto resultante. Más cortos velocidades de obturación que significa que el obturador se abre y se cierra a una velocidad más rápida) se utilizan normalmente para objetos en movimiento rápido para congelar rápidamente dentro del marco. Por el contrario, las velocidades de obturación más largas tienden a ser utilizados en las escenas de iluminación baja, siendo los objetos o si el fotógrafo quiere crear un desenfoque artístico.

Una regla de oro para saber cómo ajustar la velocidad de obturación es que cuanto mayor sea el ajuste de la abertura, mayor será la velocidad de obturación debe ajustarse para afectar el mismo nivel de exposición a la luz.

2.11.2. Formato de Cine

Formato de la película se refiere a las diversas dimensiones de la película utilizada para tomar fotografías. La característica que describe principalmente formato de película es el tamaño de la película y el

tipo de cámara que utiliza la película dada. formato de película puede ser de tamaño estándar 35 mm, formato medio entre 35 mm y 4 «x 5» o de gran formato 4 «x 5» o mayor).

fotógrafos expertos tienden a usar película de formato medio debido al hecho de que proporciona una mayor resolución y, por lo tanto, con mayor detalle en el impreso resultante

foto. Del mismo modo, la película de formato medio permite a un fotógrafo para manipular el tamaño de la impresión final, por lo que es ya sea grande o más pequeña, sin afectar la calidad o

por lo que es más granulada.

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ntroducción a la Fotografía

Mientras que el formato de película grande ofrece la más alta resolución, que no permite

thesamemanipulationthatthe

formato medio hace. Si un fotógrafo intenta cambiar el tamaño de impresión en la película de gran formato, la foto sufrirá de granularidad.

Sin embargo, la película de formato medio no sólo es más caro y menos disponibles; sino que también requiere una película especial

desarrollando. En general, los desarrolladores sólo profesionales o tiendas de fotografía especializadas tendrán la capacidad para desarrollar la película de formato medio. Otro inconveniente de la película de formato medio es el hecho de que ofrece un menor número de disparos por rollo por lo general sólo 12 a 16 exposiciones, frente a un 24 a 27 sobre otros formatos de película.

Cámaras: digital, 35mm y cámaras APS

La diferencia más notable entre digital, 35mm y cámaras APS es la forma en que cada cámara almacena las imágenes.

APS Advanced Photo System y de 35mm si los rollos de uso estándar o desechables de película que por lo general se limitan a 24 o 36 disparos. En consecuencia, las imágenes tomadas con estas cámaras tienen que ser procesados antes de que el fotógrafo puede ver sus imágenes.

Sin embargo, almacenar imágenes de las cámaras digitales de una manera diferente. En lugar de utilizar la película utilización, cámaras graban imágenes digitales en un sistema incorporado en el chip, disco o tarjeta de memoria. Esto le da la capacidad de almacenar cientos de imágenes a la vez!

2.11.3. Fundamentos de la película de velocidad

Con la película, se hacen fotos con una velocidad de la película, o ISO un número establecido por la Organización Internacional de Normalización. Cuanto mayor sea la velocidad de la película, más sensible es la película a la luz, es decir, la película necesita la exposición menos luz que necesita para capturar una imagen. Por ejemplo, 100 velocidad de la película es buena para disparos al aire libre con buena luz, mientras que 400 velocidad de la película es mejor para tomas en interiores y de acción.

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Introducción a la Fotografía

Mientras que las cámaras digitales no utilizan película, muchos mediados de gama alta de cámaras no permiten ajustar la velocidad de la película mediante el uso de un sensor incorporado. Sin embargo, el proceso tiene que repetirse para cada toma para que coincida con las condiciones de luz cambiantes.

Una de las ventajas de una cámara APS es la opción de quitar un rollo de película antes de terminarla. Esto le permite utilizar la película velocidad adecuada para el

condiciones. Un rollo sin terminar puede ser devuelto a la cámara y avanzó a la siguiente trama vacía. Lo mismo no es cierto para las cámaras de 35 mm, en el que todo el rollo tiene que ser utilizado antes de que sea sacada de la cámara. Sacándolo antes arruinará

el rollo.

Resolucion de la camara

Una imagen digital está compuesta por pequeños puntos denominados píxeles. El término “resolución”, cuando

Se utiliza para describir una cámara digital se refiere al tamaño de la imagen digital de la cámara produce. Este número se expresa generalmente en términos de “mega píxeles” o cómo

muchos millones de píxeles que se pueden grabar en una sola imagen. Una cámara con más megapíxeles puede producir una imagen más grande y de mayor resolución de una calidad considerablemente superior una cámara con un menor número de mega píxeles.

Tradicional de 35mm y película APS tiene una resolución mayor que la mayoría de las cámaras digitales de hoy en día. Las fotografías producidas por estas cámaras se pueden ampliar, resultando en fotos de alta calidad a tamaños tan grandes como de 20 x 24 pulgadas. Por otro lado, las cámaras digitales se limitan a Tamaño de la imagen basada en el número de mega píxeles. Por ejemplo, una cámara de 2 megapíxeles producirá imágenes equivalentes a 35 mm de la calidad, tanto en 4 x 6 pulgadas y 5 x 7 pulgadas.

2.11.4 El procesamiento de sus fotos

Cuando se utiliza una cámara digital, la tecnología le permite disparar más fotos e inmediatamente eliminar las imágenes que no desee. Del mismo modo, también le permiten a

descargar y transferir fotos a través de Internet. Al procesar fotos digitales, las imágenes digitales de estas cámaras se pueden transferir al ordenador, que le permite imprimir fotos desde la comodidad de su ordenador personal sin tener que ir al laboratorio fotográfico.

Sin embargo, mientras que las cámaras digitales de gama alta son a menudo muy caros, que le permiten procesar sus fotos son el hogar mediante la impresión de que la impresora digital. Aunque pueden grabar una serie de imágenes en sus tarjetas de memoria, las imágenes de alta resolución ocupan mucho espacio en la tarjeta de memoria. Del mismo modo, el tamaño del archivo de

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Introducción a la Fotografía

estas imágenes significa que las imágenes de alta resolución no se pueden enviar fácilmente a través de correo electrónico.

El desarrollo de la película de 35 mm es muy fácil y simplemente consiste en extraer el rollo de película y tirándolos en el laboratorio fotográfico donde los profesionales se ocupan del desarrollo. Sin embargo, si se quiere desarrollar la película en su cuarto oscuro, la película debe someterse a una serie de baños químicos y de procesamiento con una ampliadora. Un inconveniente principal a 35 mm es el costo por rollo, además de las tasas de procesamiento.

APSFormat Bono

Probablemente la característica más atractiva de una cámara APS es que ofrece la posibilidad de seleccionar el formato de una imagen cuando se toma: clásico, horizontal o panorámico.

En consecuencia, el fotógrafo puede manipular de manera más eficaz sus tiros. Además, si desea cambiar el formato de la imagen después de la película ha sido desarrollado, todo lo que tiene que hacer es pedir su procesador de fotografía para hacer el cambio.

2,12 edición de fotos

edición de fotos es un arte y artesanía para la comunicación efectiva con la ayuda de fotografías periodísticas por la selección, el cultivo, la ampliación de la voladura, reduciendo,

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Introducción a la Fotografía

dimensionamiento, retoque, reproducción, insetting, agrupación, discotecas, etc para la presentación de la apelación.

Selección: la selección de una foto es un trabajo muy importante, ya que el espacio valioso

disponible en el diario debería de ninguna manera, se desperdicia. La fotografía seleccionada debe ser capaz de representar una escena y seguir la vieja consigna de que ‘una imagen vale más que mil palabras’. Si la imagen proporcionada por el fotógrafo, ofrece

nada a la comprensión del lector, debe ser rechazada.

En algunas imágenes, las emociones están muy bien capturados por el fotógrafo y en algunos tanto las imágenes y las palabras proporcionarán combinación perfecta. Un editor de imagen creativa y capaz, con experiencia en comunicación visual, proporciona orientación necesaria para el uso exitoso de imágenes. periódicos pequeños y locales suelen recurrir al fotógrafo para el consejo, pero sobre todo es el editor de noticias o editor de textos que toma la decisión.

Procedimiento de selección puede ser diferente del periódico a diario. Algunos permiten que el fotógrafo para tomar la decisión de seleccionar las fotos y las imágenes presentadas por él / ella son considerados para su publicación. Algunos trabajan periódico estrechamente tanto con el editor de fotos y el fotógrafo para hacer las mejores selecciones.

Recortar: este proceso implica el corte de la parte no deseada de una fotografía. A principios de las fotografías proporcionadas por los fotógrafos fueron seleccionados ya sea por completo o rechazada, pero en estos días un fotógrafo tiene las herramientas para seleccionar el contenido relevante de una foto mientras que el resto se recorta fuera.

agrandando: también llamado como la voladura, implica el procedimiento de ampliación de una fotografía. Algunas fotos son de tamaño muy pequeño, pero de gran relevancia y valor a la noticia. Tales fotos necesitan ser ampliado o soplado-up.

La reducción de: que es justo lo contrario de la ampliación. Tanto los periódicos y las revistas se ejecutan en crisis el espacio y en estos momentos tiene que ser de tamaño reducido con el fin de ser alojados en la página algunas fotografías. La reducción dependerá sobre todo de la relevancia, importancia y grado de valor informativo.

Dimensionamiento: el dimensionamiento de una imagen debe ser determinada preferiblemente por el valor de la fotografía y no por el espacio disponible. Muchas veces, el editor de un periódico trata de reducir una fotografía para adaptarse a un espacio y destruir el impacto de la fotografía en el

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Introducción a la Fotografía

proceso. Es obvio que una fotografía de unas 10 personas, será ineficaz para una foto de dos columnas y por lo tanto esta foto necesitará al menos tres columnas.

El mayor peligro, mientras que el tamaño de un foto es para que parezca demasiado pequeño. Un editor de fotos hábil y racional optará por una foto de tres columnas si se les da una elección entre dos columnas y el espacio de tres columnas.

Dimensionamiento de cualquier imagen es trabajo muy significativo, pero de tamaño de las imágenes en los paquetes multi-fotografía es especialmente significativo. En este tipo de paquetes, una fotografía debe ser dominante. Estas imágenes múltiples permiten que el editor de fotos en una gran cantidad de flexibilidad que puede no estar disponible en situaciones de una sola fotografía. contraste del tamaño dramático es un dispositivo eficaz para su uso en paquetes de múltiples imágenes. Un editor de fotos entrenados en comunicación visual entiende la utilidad de revertir los patrones de tamaño normales para mayor impacto.

retoque: se trata de un proceso de bajar el tono o la eliminación de las distracciones extraños dentro del marco. Retoque puede mejorar algunas fotos. Se puede llevar a cabo con un aerógrafo, un instrumento que se aplica un pigmento líquido a una superficie por medio de aire comprimido. Retoque también se puede hacer con el cepillo en un líquido o pasta retoque o mediante el uso de lápices de retoque de diferentes colores.

Retoque se debe hacer de manera minuciosa y meticulosa que el significado y el contenido de la imagen no se cambian. El retoque de una imagen para cambiar su significado es poco ético como cambiar una cita directa de alterar el significado de un discurso.

Reproducción: hay cuatro principales procesos mecánicos de reproducción. Estos procesos son 1 de metal engraining 2 placas de plástico 3 positivos apantallados 4 ventanas y negativos de fotos.

En opciones: insetting es una forma innovadora y creativa del fotoperiodismo. Por ejemplo, hubo algún incidente fatal en una ciudad en particular. Las personas afectadas por el incidente se muestran en la imagen. Al mismo tiempo, un mapa de la ciudad se inserta en el cuadro que indica dónde esa ciudad en particular se encuentra en el país.

Agrupamiento: cuando dos o tres o incluso más fotografías se unen sin solaparse entre sí, el proceso se denomina agrupación.

Parranda: discotecas es una forma muy creativa, imaginativa e innovadora con un sentido de gráficos. El reportero gráfico se mueve a través de cuatro pasos en el manejo de una historia:

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:               Introducción a la Fotografía

• Generación de ideas

• Planificación
• Observación

• escribir pies

El reportero gráfico desarrolla una idea o concepto, decide sobre las lentes apropiadas, la velocidad y la abertura y selecciona las poblaciones de dónde disparar; decide cuándo disparar, y luego funciona el cuarto oscuro que mejorará a la historia.

Para una característica, el reportero gráfico mueve cuidadosa y deliberadamente a través de estas etapas en un evento de noticias de última hora, el pensamiento y las decisiones se toman de forma rápida e instintivamente.

Si la cámara no le dice la verdad, el escepticismo sobre los medios de comunicación surge en la mente de los lectores. Una imagen puede ser llamativo y puede ser narrativa. Pero si se transmite una impresión falsa o distorsionada que sería mejor dejar sin publicar. editores de imágenes por lo general van a seleccionar la imagen que muestra las cifras más favorable.

UNIDAD 3. TIPOS DE FOTOS

3.1. Fotografía de retrato

Un retrato se define como una semejanza de una persona, especialmente de la persona de

cara. Sin embargo, la palabra de uso general tiene connotaciones más profundas. Un retrato fotográfico se entiende que es un buen

imagen de calidad que no sólo captura la semejanza física de una persona en la película, pero también algo de la persona de

carácter, en general, de una manera que sea atractivo y agradable para el sujeto.

Un buen retrato contendrá al menos un elemento que revela el objeto de

personalidad, actitud, los gestos únicos o cualquiera de las otras características o rasgos que forman el carácter individual de la persona. Se nos dirá algo

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: Introducción a la Fotografía

sobre el tema. Es posible que haya oído a alguien observación de que un fotógrafo particular, “realmente capturado” a su padre o hijo, por ejemplo, en una imagen. Ellos

referimos, en parte, a la imagen cuya semejanza física, pero lo que son

diciendo en realidad es que la imagen también revela una parte significativa e identificable de carácter del sujeto. El fotógrafo de retratos que nunca ha conocido previamente la

por lo tanto, sujeto tiene un gran reto.

A todos nos revelamos nuestros sentimientos y actitudes de manera diferente. Algunos de nosotros podemos mostrar nuestro

carácter individual con la transparencia inmediata, mientras que otros pueden ser más difíciles de “leer” al principio. El fotógrafo de retratos tiene que convertirse en expertos en el estudio de personas a las que él o ella no conoce el fin de captar su esencia. Esto significa ver las señales en el manierismo, reacciones de un sujeto,

expresiones, lenguaje corporal y así sucesivamente, y luego juzgar la mejor manera de tener el carácter del sujeto revelaron para la cámara.

Esto requiere habilidad y una comprensión de la naturaleza humana. Casi siempre requiere de la participación del sujeto en la conversación, y encontrar rápidamente un tema adecuado que agarrarla o de su interés y provocar una reacción. Encontrar un terreno común o un tema de especial interés para el sujeto, que puede ser un hobby, las últimas noticias, un conocido mutuo, o cualquier número de temas. La construcción de una relación con el tema es importante, si un niño de tres años de edad, o un hombre de Estado de noventa y cinco años de edad, ya que hace que el tema más a gusto en su presencia, y por lo tanto más relajada y natural de aspecto para la lente . Debe tomar todas las medidas posibles para poner un objeto en la facilidad para que él o ella para parecer natural.

A veces, su mejor imagen es la primera imagen, ya veces es la última exposición que realice. Si el sujeto está en posición, relativamente cómoda y que esté listo para disparar, por lo general hay ninguna razón para no comenzar de inmediato.

A menudo acaba de empezar es suficiente para causar un sujeto para establecer si son

inquieto o tenso. Usted tiene que utilizar su mejor juicio en todos los casos. Sin sesión de fotografía debe ser apresurado, pero no tiene sentido tomar el tiempo del sujeto dentro de inactividad

charla mientras que usted podría hacer exposiciones.

Tampoco hay ninguna razón para que su conversación cesa sólo porque se han empezado a disparar. Si la sesión parece ir bien, informe a su objeto; que puede proporcionar la confianza añadida de que se mostrará en su expresión. Dibujo de un sujeto a cabo haciendo que hablan mientras esté tomando fotos a menudo se traducirá en expresiones interesantes y reveladoras. Los sujetos no tienen que sonreír para hacer un buen retrato. UNA

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Introducción a la Fotografía

expresión grave o reflexivo a menudo puede ser más revelador de carácter, y una mejor retrato.

Hay muchos componentes en un buen retrato, pero el componente principal es el control por parte del fotógrafo. Debe estar a cargo y debe ser considerada por el sujeto como competente y bien informado si el sujeto ha de tener alguna confianza en usted. Esto significa que debe estar preparado de antemano, no hurgar en la película cuando el sujeto está listo para ser fotografiado. Esto significa que usted debe tener confianza en uno mismo y la confianza que exudan durante toda la sesión, y debe estar relajado a sí mismo si usted espera que su tema se convierta relajado.

Tenga en cuenta que es la persona que se hace hincapié en un retrato – no lo que le rodea. Los espectadores del retrato deben ver algo más que una fotografía reconocible de alguien. La imagen debe contener el estado de ánimo, muestran la personalidad y el carácter, lo que permite al espectador a sacar conclusiones acerca de la persona en el retrato.

3.2. Foto Fija

Los críticos y estudiantes de fotografía a menudo han comentado en los últimos años en el hecho de que, en esta era de vídeo, cada vez es más y más difícil de capturar satisfactoriamente en una imagen fija lo que está pasando en una escena en movimiento. En su libro, Mi guerra pasados, lo echo tanto, Anthony Loyd, un ex oficial del ejército británico que fue a los Balcanes y Chechenia como periodista, escribe esto acerca de la dificultad de tomar fotografías de combate sigue:

«Las fotografías que había tomado ese día fueron inútiles. Quita el sonido, el movimiento y la atmósfera de una escena de lucha, transponer imágenes en una superficie de dos dimensiones y hay que tener algo muy especial para comunicarse, incluso un rastro de la locura has sido testigo «. Loyd continuación, señala que después de haber sido testigo de lo que había fotografiado; él sabía lo que había detrás de la realidad de sus fotos. «Los amigos no sabían. Todos ellos eran lo suficientemente inteligente para saber lo que podría estar detrás de un tiro borroso de un soldado corriendo. Pero las personas que nunca habían ido a la guerra? Su comprensión de combate era la versión de Hollywood.»

Sin embargo, la fotografía fija puede, cuando es muy buena, deje todos los otros medios de reportaje tan lejos como para que sean casi irrelevante: un solo golpe a la conciencia de que no va a desaparecer hasta que cierre los ojos o mirar otra cosa .

fotografía fija También puede implicar tomar fotos del proceso de filmación.

A menudo se utilizan para la promoción de la película y como un registro documental.

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Introducción a la Fotografía

3.3. Fotografía de la fauna

Si sale de excursión en el fuera de pista o de turismo de su coche, que tiene

un encuentro casual con la vida silvestre es un momento magnífico y atesorado. Viendo correr en zigzag velocidad poco de ternera entre la manada o vislumbrar un oso comiendo

lirios de glaciar son vistas que cautivan y nos inspiran a todos.

Para muchos, sin embargo, la experiencia es abrumador. Pierden de vista el hecho de que

el tema de su admiración es una criatura salvaje. Lamentablemente, algunos comportamientos humanos tontos resulta en consecuencias trágicas para la vida silvestre y los seres humanos. Por lo tanto, es

imprescindible que usted sabe cómo ver y fotografiar la vida silvestre con sensibilidad y responsabilidad de una manera de bajo impacto.

Usted será recompensado con las experiencias más increíbles y otros aprenderán de su buen ejemplo!

fotógrafos de la naturaleza deben cumplir con un cierto código de ética. Estas directrices están diseñadas para asegurar que no se haga daño a la fauna o sus hábitats naturales. Dependen de las reglas y regulaciones de la zona del parque nacional, zona wi lderness, etc. que está visitando.

Tenga en cuenta, que el ecosistema se visita puede ser frágil, por lo que el fotógrafo debe caminar con cuidado. En primer lugar, ver la vida silvestre desde una distancia segura para usted y para ellos. Respetar sus necesidades espaciales. Si el animal interrumpe su comportamiento descanso, alimentación, etc, entonces usted está demasiado cerca y debe distanciarse.

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Introducción a la Fotografía

El fotógrafo de la naturaleza nunca se debe forzar una acción y que debe ser paciente. Las más bellas fotografías son el resultado de la acción natural.

Nunca se interponga entre un padre y su descendencia. Por ejemplo, uno puede ver los cachorros de oso minúsculos en dificultades, a continuación, arbolado separadas de su madre por una multitud de turistas deseosos de ver más de cerca. Este es un comportamiento inaceptable.

Nunca multitud, perseguir, evitar el escape, y hacer ruidos deliberados para distraer, o acosar a asustar a la fauna silvestre. Esta es una valiosa energía estresante y desechos en vuelo innecesaria. El impacto es acumulativo. Nunca alimente o salir de alimento para la fauna. La habituación debido a los folletos puede dar lugar a enfermedad o incluso la muerte del animal y lesiones a usted.

Nunca invadir nidos o madrigueras, como ciertas especies abandonarán sus crías. Nunca interfiera con los animales que participan en la reproducción, anidación, o el cuidado de jóvenes. Aprender a reconocer las señales de alarma de la fauna y nunca olvidar que estos animales no son mansos no importa cuán dóciles o tierno que aparecen. No dañar o eliminar cualquier planta, forma de vida o un objeto natural. No empacar la basura.

Familiarizarse con y respetar los comportamientos y los ecosistemas de la flora y fauna que pueda encontrar. Al hacerlo, se le enriquecer su experiencia tremendamente. Por último, y más importante, recuerde que el bienestar del sujeto y el hábitat son irrefutablemente más importante que la fotografía.

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ntroducción a la Fotografía

3.4. Fotografía de desastres

De hecho, es irónico que la manipulación de fotografías de un desastre natural y las tragedias personales resultantes en dibujos animados, fotografías o ilustraciones sirven a un propósito de technique.thus artísticas, los fotógrafos tienen que adoptar un enfoque más honesto, más respetuoso, y, mucho más modesto enfoques fotográficos a la idea de la belleza desconcertante horrible.

De repente sucede: un huracán, una inundación, un terremoto, un accidente aéreo o un incendio. Y debe documentar con fotografías de desastres. Tal vez usted trabaja para una revista o periódico de noticias. Posiblemente una agencia de fotografía o de una compañía de seguros necesita imágenes de la escena.

la cobertura de desastres nunca es agradable. La mayoría de las personas en nuestra sociedad bien ordenada dan poca importancia a la violencia inesperada más allá de la noticias de las 6; sin embargo, estas cosas suceden. Ocurren en todo el país y en todo el mundo sobre una base diaria, y alguien debe registrar de una manera profesional. desastre con alarmante frecuencia sin tener en cuenta la vida o la ubicación geográfica.

63           Y

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Introducción a la Fotografía

Cuando ocurre una catástrofe, tienes que preguntar, «¿Cuál es mi próximo movimiento ¿Qué debo llevar conmigo;?? ¿Qué puedo dejar atrás ¿Cómo puedo cubrir con seguridad situaciones de riesgo y aún así ofrecer fotografías utilizables y oportunas?» Cada asignación es diferente, pero los siguientes ejemplos puede evitar que su asignación de noticias se convierta en un desastre personal.

Siempre debe tener la película en sus cámaras y la exposición ajustada a las condiciones de iluminación ambiental. Cada fotógrafo de prensa puede recitar una docena de ejemplos que demuestran cómo estos pocos segundos pueden hacer la diferencia entre la captura de un tiro y regresar con las manos vacías.

Del mismo modo, muchos fotógrafos de noticias mantienen un cambio de ropa, varias de las principales tarjetas de crédito y un pasaporte vigente en el maletero de sus coches. Una emergencia rara vez se da tiempo para empacar, y nadie quiere escarbar en los cajones tratando de encontrar un pasaporte cuando tienen que coger un avión.

No todas las misiones demuestra la necesidad de una preparación tan vivamente, pero los desastres como terremotos, cuando un terremoto necesita juego de pies rápido para vencer a las competiciones.

Una escena de destrucción es, por su propia naturaleza, un acontecimiento inesperado. La confusión reina suprema. Puede ser difícil de crear orden a partir del caos visual cuando no se sabe la historia completa. fotógrafos de prensa con experiencia saben para recoger mapas, números de teléfono de emergencia e información sobre la marcha. Si la emergencia sigue trabajando, una estación de noticias de radio AM y un escáner programables pueden ayudar a mantener actual. Si llega tarde debe comprar el periódico local y en contacto con la policía, la Cruz Roja y el Ayuntamiento para las actualizaciones sobre evacuaciones, refugios de emergencia y las operaciones de limpieza.

Tenga cuidado de ajustarse a las normas éticas locales, sin embargo. Algunos países permiten el acceso a los medios de extrañar que las escenas de emergencia. En otros casos, puede encontrarse de repente mirando hacia abajo el extremo equivocado de un arma automática mientras se realiza el trabajo documental rutina!

Pero para ser honesto, la suerte también juega un papel importante en la crisis de la fotografía. Un fotógrafo puede volver con espectaculares imágenes de una escena, mientras que otro regresa con nada. La diferencia puede ser medido en pies o segundos. Su única defensa es reunir información sobre la carrera y estar preparados para cualquier eventualidad concebible.

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Introducción a la Fotografía

Muchos fotógrafos creen que necesitan credenciales de prensa especial para entrar en una zona de emergencia. Es cierto que las credenciales de prensa hacen tranquilizador, pero con frecuencia ser de gran utilidad. Peor aún, pueden dirigirse a los fotógrafos para atención de la policía no deseada; es posible lograr un mejor acceso al actuar como un espectador!

Nunca, pero nunca, discutir con un oficial de policía que las tensiones son altas durante una tragedia. Cuando usted sigue siendo sensible al tema, sin embargo, la mayoría de los oficiales de policía ignorar o incluso ayudar un fotógrafo de confianza y rápido movimiento.

movimiento rápido no significa descuidado, sin embargo. Incluso un simple incendio en el almacén puede ser extremadamente peligroso. Aparentemente fuertes vigas, paredes y suelos pueden derrumbarse sin previo aviso. Y los incendios con frecuencia producen explosiones, humo tóxico y residuos químicos cáusticos. La mejor regla es permanecer cerca detrás de emergencia personal y ver sus acciones. Pueden evacuar repentinamente un área sin previo aviso ni explicación: al igual que usted espera que conocen a sus puestos de trabajo, se espera que sepan los suyos.

Cualquier gran incendio produce dos resultados espectaculares y terribles. En un incendio en una refinería, columnas de fuego disparar cientos de pies en el aire y decenas de acres pueden estar en llamas. Por desgracia, funcionarios de la compañía normalmente sellan una planta cuando algo va mal, ostensiblemente para la protección pública, pero sobre todo para reducir al mínimo la cobertura de prensa. Tratar de disparar a través de cercas de malla, árboles y edificios de la mitad de una

sesenta y cinco

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Introducción a la Fotografía

milla de distancia es enloquecedor. Problemas similares se presentan cuando la documentación de cualquier desastre remoto, restringido o generalizada. La clave, por supuesto, es fletar un vuelo o enganche de un paseo con el personal de emergencia en una zona de desastre. Un helicóptero hace una plataforma de tiro superiores, si es costosa, ya que puede moverse lentamente e incluso la tierra en lugares improbables.

En general, el público no ve objetivamente desastre debido a que estas experiencias son ajenos a ellos. Esto explica por qué «testigo ocular representa» rendimiento dicha información notoriamente inexactas. Las personas que se enfrentan a estas escenas rutinariamente aprenden a reaccionar de forma profesional, colocándolos en perspectiva de las experiencias anteriores.

Los reporteros gráficos no más pueden permitirse el lujo de pánico, confusión o implicación emocional en los desastres que puede policía, los bomberos y los médicos. Ellos deben reaccionar con calma a una crisis. Algunos incluso hacen su responsabilidad de asistir a clases de primeros auxilios, ya que la gente de las noticias a veces llegan a una escena antes que el personal de emergencia.

El derecho del público a saber merece esta experiencia calma. Los reporteros gráficos tienen la difícil tarea de ser los ojos y los oídos del público. Pero también deben ser responsables de sus acciones en el campo, presentando una imagen de conducta restrictiva y simpatía, equilibrando esto en contra de los segundos que tienen que capturar una imagen antes de que desaparezca para siempre.

Pero siempre recuerde que usted es un ser humano en primer lugar, un fotógrafo segundos. Nada de lo que lo hace debe agravar la situación o dificultar el personal de emergencia. Si es necesario, estar preparado para dejar su equipo y ayuda en cualquier forma que pueda. Ninguna fotografía vale una vida humana.

fotografía de desastres no es agradable, sin embargo, con frecuencia sirve un propósito importante más allá de la simple, pero vital, la documentación de un evento. El trabajo le puede obligar a trabajar durante días sin descanso, una comida decente, o el sueño, sino que también proporciona ciertos beneficios.

Existe una tremenda emoción en estar en la vanguardia de una noticia importante, y algunas veces las imágenes se toma provocará la simpatía y la ayuda a los afectados por la tragedia. Vivimos en una era de la información, y eventos distantes a menudo tienen un gran impacto en diversos elementos de nuestra sociedad global. Pase lo que pase, usted tiene la satisfacción de saber que su papel se ajusta a esta red de información, lo que permite la grabación de la historia y los lectores perspectivas para los eventos que se espera que no experiencia.

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: Introducción a la Fotografía

3.5. Fotografía de los deportes

Todos hemos sido cautivados por la fotografía de deportes en un momento u otro y se sienten intimidados por unas buenas fotos de acción deportiva.

fotos de deportes de calidad son algo difíciles de conseguir. La mayoría de las personas tienen un acceso limitado a los eventos de fotografiarlos. Cuanto más lejos esté del evento, más difícil se hace para capturar el evento de una manera agradable. El deporte es un evento donde el control de masas es importante, no sólo para la seguridad de la multitud, pero para los jugadores también. No hay nada más aterrador que sea en el marco de un partido de fútbol, se centró en una obra de teatro en el campo, cuando de repente una línea de respaldo de 250 libras conduce a un jugador en las piernas o una bola de foul se cuelgan en su lente $ 8.000 !

Cuanto más cerca esté a alguien, mejor que él o ella puede ver. Deportes no son diferentes. Usted tiene que conseguir lo más cercano a lo que está disparando como sea posible. Por lo general, para un fotógrafo con un pase de prensa, se puede llegar a las líneas laterales u otros lugares similares. Por lo general, no se le permitirá en el campo de juego. Dependiendo del deporte, es muy probable que se limitará a designar lugares. Por ejemplo, en la mayoría de los juegos de fútbol, los medios de comunicación no puede disparar entre los dos 35 patio marcadores.

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Introducción a la Fotografía

Es probable que no tiene acceso a la prensa y está atascado en las gradas para sus tomas. Llegar lo más cerca posible. Incluso si lo hacen a un lado, estará compitiendo por el espacio con muchos otros fotógrafos, tanto fijas como de vídeo.

Usted también tiene que estar familiarizado con el deporte para ser capaz de capturar el momento. Esto significa saber dónde posicionarse de la mejor acción. Esto es fundamental porque de momento angular para capturar la acción de congelación. No sólo importa el tema, pero el fondo. Mira lo que va a ser detrás del sujeto. Si bien vamos a tratar de minimizar el impacto que tiene un fondo, todavía será inevitable. Por lo que necesita para posicionar su auto donde el fondo es el más agradable.

Deportes y fotografía de acción es todo sobre el calendario. Se trata de reaccionar. Se trata de estar en el lugar correcto en el momento adecuado y se trata de ejecutar.Estas

son todas las cualidades de los atletas y los de los fotógrafos también. Cada deporte tiene momentos previsibles e imprevisibles. Por ejemplo, en el baloncesto, usted tendrá la oportunidad de fotografiar, tiros en suspensión, tiros libres, etc. Comprender el calendario de estas acciones predecibles permite capturar el momento pico, cuando la acción es la más alta.

Hay un retardo entre la imagen golpear el nervio óptico y el cierre del obturador. Usted tiene que, a través de la experiencia, aprender lo que el tiempo es ajustado para ello. objetivo mucho, se necesita una lente 200-300mm para llenar así el marco, sin embargo, para el rodaje de un partido de fútbol, se necesita una lente 300-400mm para casi cualquier cosa útil. velocidad de la lente es también un factor crítico. Cuanto más rápida sea la lente, más rápida será la velocidad de obturación que se puede utilizar. Es necesario velocidades de obturación rápidas para congelar la acción con lentes de largo alcance.

Hoy en día, la mayoría de las nuevas cámaras son el enfoque automático. El enfoque automático hace que esto sea más fácil en nosotros, pero los sistemas de enfoque automático AF no son a prueba de tontos. Por suerte, muchos deportes se prestan los mismos así al enfoque manual, lo que a veces se puede conseguir una ganga en una versión manual de una lente para su uso en una cámara manual y aún así obtener buenas fotos. Sin embargo AF viene muy bien para algunos deportes. Hockey y el fútbol implican muchos sujetos a cambios de distancia de la cámara. El movimiento es menos predecible y estos deportes son algo más difíciles de enfoque manual. Fútbol, baloncesto, béisbol y son muy fáciles de enfoque manual. También puede ser necesario un flash con un alto rendimiento. Algunos eventos deportivos como gimnasia y otros son eventos no-flash. Lo mejor es hablar con un árbitro oficial del acontecimiento, coche, etc antes de utilizar el flash.

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Introducción a la Fotografía

3.6. Fotografía de política

La política y la fotografía siempre han tenido una estrecha, si es incómodo, relación. Arañar la superficie de muchos de los grandes reporteros gráficos y documentales del siglo XX y se encuentra colores radicales no mucho más abajo. Lewis Hine, un pionero de la fotografía documental, dijo ‘he querido mostrar las cosas que tenían que ser corregido. Quería mostrar cosas que tenían que ser apreciado ‘. Para él y la generación que siguió, el mero hecho de mostrar fotografías de un lugar o evento, que fue en gran parte invisible, era un acto político. En su propia neutralidad, el dio testimonio cámara a un axioma fundamental de la izquierda: que la gente común, no a los monarcas y políticos hizo historia.

¿Qué le pasó a derribar a la fotografía desde esta posición de la justicia? Televisión sucedió; aparentemente outshining poder de la fotografía para mostrar las cosas como son. barones de los medios sucedieron; ansioso por convertir la prensa lejos de desafío a la autoridad y en una herramienta para hacer dinero. La apatía que pasó; el poder del pueblo se diluyó por un sistema político cínico. Y ahora el Internet ha sucedido; podemos encontrar una imagen de lo que queramos en cuestión de segundos, y están menos dispuestos a tener la propaganda de otra persona empujó a nosotros.

Algunos han argumentado que la fotografía es inherentemente donde expresar ideas progresistas un medio difícil. La cámara conserva un momento que de otro modo habría sido olvidado. Es una máquina nostalgia instantánea. Funciona muy bien para aquellos que buscan para conservar algún aspecto del status quo. Aquellos que tratan de provocar cambios podrían encontrar que sólo pueden utilizar una cámara para

fictionalize, o retratar un negativo.

Nada de esto ha sido suficiente para acabar con fotografía política aunque el suelo y el trabajo han cambiado; Tampoco

69           PUNJAB UNIVERSIDAD TÉCNICA

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Introducción a la Fotografía

realmente cambiar la pregunta central que un fotógrafo política necesita de él o ella estar preguntando: ‘¿Es este trabajo’ Será esta fotografía cambiar nada en absoluto, no importa qué tan poco? Y si es así, tendrá que cambiar las cosas para mejor?

Es posible identificar al menos tres formas diferentes de decir sí a esta pregunta. La tradición humanista de fotoperiodismo sigue siendo fuerte. La gente ha sugerido que el trabajo de buen fotógrafo política han ayudado a los conflictos de parada, y el trabajo de algunos fotógrafos despierta a los espectadores a la brutalidad de la guerra.

Es muy posible que este trabajo plantea la conciencia del público y mantiene los problemas en las noticias. Pero los críticos argumentan que este tipo de fotografía en el mejor de endulza la píldora del sistema político dominante permitimos este tipo de trabajo por lo que no puede ser tan malo, y en el peor es ope n al mal uso y manipulación.

Una hebra separada del fotógrafo campaña surgió con el florecimiento de la prensa clandestina en la década de 1960. Para estos fotógrafos se hizo más importante controlar que publicaba el trabajo y la forma en que estaba siendo utilizado. El trabajo en sí fue notablemente diferente también; el lado más sombrío de fotoperiodismo fue reemplazado por más tiempos débiles y tal vez menos degradantes imágenes. Fotógrafos estaban complacidos de apoyar activamente a las organizaciones progresistas como sindicatos, grupos de presión y partidos políticos con un trabajo de alta calidad.

La fotografía es también una herramienta accesible y de gran alcance para las campañas locales y de la comunidad. Pero el trabajo a veces parecía no tener mordedura, pareciéndose más a propaganda que el reportaje; y que rara vez se aspira a llegar a un público masivo, con los lectores de numeración en cientos o miles, sino millones.

Un tercer capítulo utiliza el arte de la fotografía política de los puntos fuertes de la fotografía con una fuerte base conceptual para tratar de shock o mover a la gente para que cambie de opinión. Fotógrafos quieren comunicar, y luego se dispuso a tomar imágenes, lo que mejor expresan estas ideas.

El trabajo de los fotógrafos y agencias comprometidas sigue siendo visto incluso en los periódicos de gran formato de establecimiento y suplementos, y también en algunos lugares menos esperados: las revistas de estilo de vida, la televisión, los espacios públicos, y material educativo. La muy reciente renacimiento de la fotografía en las galerías de la corriente principal es alentador, y el trabajo con un borde política es a menudo una buena asistencia y recibió. Es tal vez más difícil de lo que jamás ha sido llegar a alguien y cambiar algo con la fotografía, pero la batalla es de ninguna manera perdidos.

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3.7. El tiempo y Medio Ambiente Fotografía

Inundaciones, huracanes, tornados, lluvias torrenciales y fuertes vientos producen condiciones fotográficas horribles. Caminos pueden ser intransitables inexistente, luz, líneas telefónicas hacia abajo, ropa y cámaras empapados, sin embargo, los clientes esperan fuertes imágenes que documentan la escena.

A veces vale la pena reconsiderar sus acciones. Trate de alquilar un vehículo de tracción en las cuatro ruedas con gran distancia al suelo si va a aventurarse en las zonas inundables. Mantener el tanque lleno de gas, ya que las bombas de las gasolineras no funcionan cuando se va la luz, más el peso extra ayuda a retener la tracción. Si hay una posibilidad de que usted puede quedarse atrapado en el campo, llevar agua embotellada en recipientes de plástico y no perecederos listos para consumir alimentos.

Grandes tormentas producen condiciones peligrosas para todo el mundo sin tener en cuenta la importancia de su trabajo. Maneja con cuidado a través de regiones de inundación, pues la suciedad, las zonas bajas del agua y los trabajadores de emergencia pueden aparecer sin previo aviso. oleada de la tormenta es un huracán puede combinar altas mareas y los vientos que acumulan agua de 30 pies más alto de lo normal. Los tornados se producen de vez en cuando durante las tormentas «normales», pero los huracanes docenas veces spin-off.

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Alta agua crea problemas incluso para los de a pie y la cámara puede recibir un rociado abundante. Usted debe hacer algunas preparaciones de impermeabilización antes de salir a cubrir una asignación de mal tiempo. Ayuda a Scotch Guardia una bolsa de cámara como una cuestión de rutina, y un par de bolsas de basura y toallas ayudará a mantener equipo seco. Las toallas también son útiles para secar el sistema eléctrico de un automóvil después de pasar por las aguas profundas.

Más de un fotógrafo ha experimentado la furia de tener confiscate película de gran valor por exceso de celo burocrático. La película en sí es otro motivo de preocupación. Profesionales independientes con frecuencia hacen que el error de disparar Kodachrome, que requiere que las plantas de procesamiento especiales. Las limitaciones de tiempo de una asignación de noticias de actualidad hacen imperativo que se dispara una película en blanco y negro normal, dependiendo de las necesidades de sus clientes.

Al igual que «estar ahí» ayuda a capturar el momento decisivo, consiguiendo la película «fuera de allí» para hacer una fecha límite puede ser de igual importancia. Muchos transportistas comerciales prometen entregar dentro de 24 a 48 horas, pero las trampas incluyen los fines de semana, vacaciones y el alcance de las condiciones ambientales.

Operando desde el periódico local, The Associated Press, United Press Internacional o la oficina ofrece una opción final. La camaradería de este negocio permite siempre fuera de la ciudad los fotógrafos de prensa acceso a la cámara oscura, ya que pueden necesitar el favor regresó un día! La mayoría de los periódicos tienen un punto de acceso o transmisor UPI en su oficina, pero esto debe ser un último recurso. La transmisión de una sola impresión en blanco y negro tarda ocho minutos, el color tarda 24 minutos, y se pierde una considerable calidad de la imagen.

Un problema que enfrentan los reporteros gráficos contemporáneos se debe a la naturaleza única de la fotografía de prensa. Los reporteros gráficos actúan de una manera aparentemente voyeurista el público encuentra difícil de aceptar; sus acciones a veces se pueden ver en una manera negativa.

3.8. Fotografía guerra

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Los fotógrafos que participan en este género pueden encontrarse colocado en peligro, y algunas veces se murieron tratando de conseguir sus fotos fuera de la arena guerra. Los periodistas y fotógrafos están protegidos por convenciones internacionales de lucha armada, pero la historia demuestra que a menudo se consideran objetivos por grupos en conflicto

– a veces para mostrar el odio de sus adversarios y otras veces para evitar que los hechos que se muestran en las fotografías de ser conocido. la fotografía de guerra se ha vuelto más peligroso terrorista con el estilo de los conflictos armados, ya que algunos terroristas se dirigen a periodistas y fotógrafos. En la Segunda Guerra del Golfo Pérsico, varios fotógrafos fueron capturados y ejecutados por terroristas o disparos de insurgentes armados. 3.10.

3.9.Advertising

Fotografía

El principal propósito de la publicidad es despertar los consumidores desean poseer cualquier producto dado. Fotografía publicitaria se utiliza para estimular estos deseos a un acto y la compra. los

publicidad           fotógrafo

debe ilustrar, explicar, excitar, y ayudar a crear este

deseo   para       alguna   dado

anunciada           producto.            los

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Introducción a la Fotografía

consumidor y / o el lector estarán expuestos a estas imágenes en una variedad de formatos de medios:

revistas, periódicos, televisión, vallas publicitarias y ahora incluso Internet.

fotógrafo publicitario de hoy debe ir más allá de ser sólo una cámara, pero tecno pasar largas horas y el trabajo duro en perfeccionar su técnica. El fotógrafo profesional en este campo se encarga de la cámara para producir una calidad en el producto acabado, la fotografía. Para ganarse el respeto de sus clientes, y para tener su trabajo consistente en la demanda, el fotógrafo debe tener la publicidad, además de esta capacidad técnica, visión creativa, la imaginación y la capacidad de capturar imágenes descriptivas únicas en la película.

Un fotógrafo de publicidad rara vez funciona solo, por sus talentos deben sincronizar

con los de la otra parte del equipo, el director de arte. Juntos deberán comunicar ideas y trabajar juntos en el ‘look’ final o ‘sensación’ de la

ilustración. El director de arte, sin embargo, funciona en otros aspectos de la publicidad, como la copia, el exceso de todo el diseño, la tipografía y el espacio y los medios de comunicación en la que se colocarán y visto el anuncio final. El fotógrafo, por lo tanto, debe trabajar en armonía con los planes totales del director de arte, que es responsable de la apariencia visual completa de la publicidad.

Cada fotógrafo serio que está pensando en entrar en el campo de la publicidad debe entender lo que está involucrado. La agencia de publicidad, en el manejo de una cuenta, ha invertido tiempo y dinero antes de cualquier proyecto se asigna al fotógrafo. Se han celebrado reuniones de copia, ruedas de prensa, debates idea, que dan lugar a la disposición aceptada dado al fotógrafo.

Como dibujante hace bocetos, el director de arte visuales hace rugosas o diseños. El director de arte obtiene sus señales creativas del departamento de copia, cuenta

ejecutivo o incluso el cliente de publicidad. Estas señales indican el director de arte cuál será el título del anuncio o lema y lo que el ‘aspecto’ final o ‘sensación’ deberían ser. Es el trabajo del director de arte para presentar visualmente la idea, generalmente a través de bocetos, a la

otros miembros del equipo de publicidad. Estos dibujos ásperos, los diseños, son enviados a lo largo, a veces con las ideas alternativas, al fotógrafo asignado. Los dibujos están destinados a guiar el fotógrafo en la interpretación fotográfica de la idea básica.

Crudo y áspero como estas imágenes son a menudo, el fotógrafo experimentado y exigente los respeta, trabaja a partir de ellos, y los transforma en imágenes con un impacto llamativo. No todos los directores de arte utilizan diseños visuales algunos se dirigirá al fotógrafo sin la ayuda de ningún bocetos. Cada uno tiene su propio favorito

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método de trabajo, pero cada director de arte trabaja hacia un fin común: la creación de un anuncio que va a tener un atractivo ventas.

3.10 Fotografía del paisaje

La fotografía del paisaje puede ser un desafío, pero con la composición adecuada y buena luz natural que puede ser hecho un poco más fácil.

Todas las cámaras del mundo, películas y otros equipos fotográficos no son más que herramientas para la toma de fotografías de paisajes. Cámaras no piensan por sí mismos. Si

usamos la cámara digital o de película, se aplican los mismos principios fotográficos.

No tenemos que atenerse a muchas reglas para producir grandes imágenes de paisajes, pero sabiendo lo que son hará que sus imágenes más éxito. Hay dos puntos más importantes en fotografía paisaje: cómo componer su imagen, y la manera de utilizar la luz natural disponible en cualquier situación dada.

Comience con las luces; hay tres cualidades básicas de la luz: intensidad, dirección y color. Intensidad: se refiere a la fuerza de la luz. Si el sol está alto en el cielo, la luz puede ser duro y demasiado fuerte. Los días nublados llevar la luz suave y distendido. Dirección: esto se refiere a la colocación de la luz. Hay tres categorías de colocación de la luz: frontal, posterior y lateral de la iluminación. La iluminación lateral produce más textura

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entre la luz y la sombra. Color: el color de la luz del sol varía dependiendo de las condiciones y la hora del día. Si el sol brilla al principio o al final del día, el color de la luz será mucho más cálido, y dará lugar a una escena mucho más dramático.

La comprensión de la luz natural va a desarrollar su capacidad de ver. Usted comenzará a ver la belleza de la luz de una manera diferente y emocionante. En la fotografía de paisaje es muy importante tener cuidado con la composición. Una escena normal puede ser transformado por prestar mucha atención a los detalles. La composición es todo acerca de cómo organizar los elementos en frente de usted.

Algunas ideas que pueden serle de utilidad;

El plomo con líneas: Para conducir con líneas en la parte principal de la escena le tomará la muestra espectador en su imagen. Estas líneas no tienen que ser rectos. Líneas, tales como pistas,

orillas de los ríos o cercas, pueden trabajar con éxito.

primer plano de interés: Objetos en primer plano simples pueden dar a su paisaje una mayor sensación de profundidad. Use una pequeña abertura de f / 22 para mantener toda la escena en foco.

marcos naturales: Marco de su escena con los elementos que le rodean. Esta se centrará la atención en la parte principal de la imagen. Los árboles hacen grandes marcos naturales.

Estas son sólo algunas pautas esenciales, y se combinan con un buen ojo, tiene todo lo que necesita para sacar el máximo partido de la fotografía – en especial fotografía de paisaje. Estas son sólo algunas reglas para ayudarle a empezar, pero como todas las reglas, que están ahí para ser roto.

Fotografía 3.11Social

Los fotógrafos sociales proporcionan servicios fotográficos para sus comunidades locales. El trabajo puede ser una mezcla de fotografía social, publicidad, comercial e industrial. Estos fotógrafos suelen trabajar en una tienda o un estudio en la calle secundaria local, o pone en marcha estudios temporales en los grandes almacenes o supermercados. Algunos pueden trabajar para las empresas locales y agencias de publicidad, productoras de imágenes para folletos, carteles y otros materiales de promoción. También pueden trabajar independientemente para los periódicos locales. fotógrafos sociales exitosos deben ser adaptable y versátil. Su mayor competidor es el fotógrafo aficionado serio – así que por lo tanto debe ser experto en la comercialización ellos mismos y sus capacidades.

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: Introducción a la Fotografía

Estos fotógrafos deben estar bien organizado, práctico y creativo. Las buenas habilidades de negocios, una fuerte motivación y la confianza en sí mismo para promocionarse, son esenciales para encontrar trabajo en una profesión de hacinamiento.

Ellos deben ser capaces de dominar diferentes técnicas, y para entender los procesos digitales. Se necesitan habilidades visuales creativas para reconocer el potencial de una escena o un objeto, y la capacidad técnica para convertir que la visualización en una forma permanente.

Por encima de todo, los fotógrafos sociales deben tener excelentes habilidades de la gente: las bodas son a menudo ejerce en el control de multitudes, y persuadir a un niño dispuesto a sonreír requiere paciencia y fortaleza.

3.12. Fotografía de noticias

fotógrafos de periódicos disparan las imágenes periodísticas, pero la noticia es un término amplio, ya que se define por los periódicos, es probable incluye un poco mas de todo, desde retratos y fotos del bebé a Inductrial y la fotografía política. Esto se debe a que los periódicos están interesados en todo, no hay nada que pueda llamarse un límite en la materia que un periodista se espera cubrir.

Los fotógrafos en un papel de gran tamaño pueden especializarse en la sociedad, deportes o noticias, pero cuando un pequeño papel tiene sólo uno o dos de cámara, que debe ser capaz de manejar

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: Introducción a la Fotografía

cada imagen assingment que el editor puede imaginar. El enfoque periodístico a la fotografía, con su énfasis en cuenta-cuentos imágenes puede ayudar mejorador de toda nuestra imagen de decisiones personales.

TEMA 4. valores de las noticias para las fotos

4.1. ENSAYO FOTOGRÁFICO

ensayo fotográfico es un conjunto o serie de fotografías que se pretenden contar una historia o evocar una serie de emociones en el espectador. ensayos fotográficos van desde trabajos puramente fotográficas para fotografías con subtítulos o pequeñas notas a ensayos de texto completo con pocos o muchos fotografías que acompañan. ensayos fotográficos pueden ser de naturaleza secuencial, se van a ver en un orden particular, o pueden consistir en fotografías no ordenada que se puede ver de una vez o en un orden elegido por el espectador. Todos los ensayos fotográficos son colecciones de fotografías, pero no todas las colecciones de fotografías son ensayos fotográficos. ensayos fotográficos tratan a menudo de un determinado tema o intentan capturar el carácter de lugares y eventos.

Un ensayo fotográfico puede tomar varias formas, incluyendo:

• Un artículo publicado en una publicación, a veces una página completa o una extensión de dos páginas. Periódicos y revistas de noticias a menudo tienen múltiples páginas ensayos fotográficos sobre eventos importantes, tanto buenos como malos, como un campeonato deportivo o un desastre nacional.

• Un libro u otra publicación completa.
• Una página web o parte de un sitio web.

• Un único montaje o collage de imágenes fotográficas, con el texto u otras adiciones, destinados a ser vistos tanto como un todo y como fotografías individuales. Tal trabajo también puede caer en la categoría de medios mixtos.

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ntroducción a la Fotografía

• Una muestra de arte que se celebra en un momento y lugar determinado. Algunos de tales programas también entran en la categoría de arte de la instalación.

• Una presentación de diapositivas o presentación similar, posiblemente con texto hablado, lo que podría ser entregado en las diapositivas, en DVD o en un sitio web.

Una imagen vale mas que mil palabras y las cámaras nos han permitido ser testigos para nosotros mismos momentos importantes, emocionales, trágicos, y sin tiempo de la historia. Las fotografías más eficaces ayudan a experimentar estos momentos, como si estábamos allí mismo.

Fotoperiodistas entender los efectos de gran alcance que las imágenes puedan tener sobre las personas. A lo largo de la historia, han documentado todo, desde el triunfo y la tragedia de la guerra para el problema de la falta de vivienda a la vida en otros países. Mientras que la prensa escrita se basan en palabras para contar los hechos de una historia, reporteros gráficos cuentan historias en lo que se conoce como ensayos fotográficos-historias contadas principalmente a través de imágenes, con subtítulos y texto para complementar los efectos visuales.

«Vemos una gran parte del mundo» Margaret Bourke-White, un famoso fotógrafo para tomar fotografías de la gente común durante la Gran Depresión, dijo lo siguiente sobre el papel de los fotoperiodistas: «Vemos una gran parte del mundo Nuestra obligación es pasarlo a otros.» Usted puede aprender mucho sobre el mundo a través de estos «pasado» historias, pero es importante para ver con un ojo crítico. A pesar de que las cámaras pueden ser objetivos, los fotógrafos que utilizan ellos traen sus propios prejuicios, puntos de vista y opiniones a su trabajo.

A veces los reporteros gráficos eligen imágenes que tienen la intención de influir en sus emociones, o pueden provocar que se sienta de una manera determinada sobre un tema o evento. Esencialmente, cuando usted está buscando en una foto, que está viendo lo que el fotógrafo quiere que usted vea: el mundo a través de sus ojos.

Realidad puesta en escena

Alexander Gardner era un reportero gráfico que documentó la Guerra Civil. Gardner tomó algunas fotos muy dramáticos que muestran soldados confederados muertos. Desde entonces, un investigador ha concluido que Gardner realizaron algunas de sus fotos para que sean más dramático y apelar a su audiencia.

Un ensayo fotográfico no es simplemente para reporteros gráficos sin embargo. Cada ser humano es atraído por las historias. Si usted es un aficionado o un profesional, el ensayo fotográfico es una

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Introducción a la Fotografía

brillante manera de llevar sus imágenes a la vida y tocar su familia, amigos y compañeros de trabajo.

1. Encontrar un tema: ensayos fotográficos son más dinámico cuando como el fotógrafo atención sobre el tema. Ya sea que elija para documentar el primer mes de un recién nacido en la familia, el proceso de producción de un teatro de la escuela, o incluso una fiesta de cumpleaños, a que su tema algo en lo que encuentre de interés.

2. Haz tu investigación: Si usted documenta el primer mes de un recién nacido, pasar tiempo con

la familia. Descubre quiénes son los padres, lo que la cultura que son de, si son de clase alta o más baja. Si cubre el proceso de producción de drama de una escuela,

hablar con los profesores, actores y tramoyistas; investigar el interés general de los estudiantes; averiguar cómo se financia la producción y mantener los costos bajos. Si fotografía de una fiesta de cumpleaños, echa un vistazo a la temática, las decoraciones que se va a utilizar, lo que espera que el cumpleaños de niño para llegar a sus dones. Todos estos factores le ayudará en la planificación de la clase de disparos se configura para su historia.

3. Encontrar la “verdadera historia”: Después de su investigación, se puede determinar el ángulo que usted quiere llevar su historia. Es el recién nacido el primer hijo de una familia rica de quien continuará el legado de la familia? ¿O el bebé tiene una condición poco común del corazón? Es la obra de teatro un esfuerzo para llevar el cuerpo de estudiantes juntos? ¿O es que ofrece una estrella de niño? Es la fiesta de cumpleaños para un adolescente giro 13, o el último cumpleaños de un paciente con cáncer de morir? Aunque cada idea de la historia es la misma, los principales factores de cada historia crean una historia increíblemente único.

4. Cada historia dinámica se basa en un conjunto de valores y emociones que llegan al corazón de su audiencia. La ira, la alegría, el miedo, el dolor, emoción. La mejor manera que pueda conectar su ensayo fotográfico con su audiencia es para sacar las emociones dentro de

la historia y los usan en sus tomas. Esto no quiere decir que manipular las emociones de su audiencia. Usted sólo utiliza la emoción como un punto de conexión.

5. Planificar sus tomas: Ya sea que decida sentarse y ampliamente visualizar cada disparo de la historia, o simplemente pasear por el lugar en su mente, usted querrá

pensar en el tipo de disparos que funcionarán mejor para contar su historia. Recomiendo principiantes comienzan a salir por la creación de una “lista de tomas” de la historia. Cada disparo funcionará

como una sentencia en una historia de un párrafo. Por lo general, se puede empezar con 10 disparos. Cada disparo debe hacer hincapié en un concepto o una emoción diferente que puede ser tejido en conjunto con las otras imágenes para el proyecto final de la historia.

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MSCMCAJ-402 Introducción a la Fotografía

Recuerde que la narración requiere práctica. Usted no tiene que ser un escritor increíble para sacar un potente ensayo fotográfico. Todo lo que necesita es un poco de la técnica fotográfica, un poco de creatividad y mucho corazón. Y una vez que comience la toma de fotografías en las historias, sus imágenes nunca serán los mismos.

4.2. FUNCIÓN DE FOTO

Una característica foto es otro nombre para un archivo de fotos o base de datos que se pueden buscar a tirar hacia arriba de la foto para apoyar las noticias. Por ejemplo, supongamos que una celebridad muere mañana, los periodistas tendrán acceso a su enorme base de datos fotográfica para tirar fotos desde ya en la infancia de la persona para mostrar los monumentos.

No sólo las estrellas del cine mudo, celebridades, vienen a la vida, pero de una foto característica nos encontraremos con las celebridades de hoy en día en las últimas funciones, con sus familias, recibiendo premios o fuera de la ciudad.

Foto páginas de características le dan una buena oportunidad de utilizar las técnicas más refinadas de la cámara. Las técnicas de tiro deben ser discretos al obtener toda una serie de imágenes. película flash y luz disponible le permitirá obtener imágenes con un aspecto de la realidad que rara vez puede ser planteada.

Las fotografías que acompañan a una entrevista proporcionan otro ejemplo de reportaje fotográfico. Aquí, las fotos que se ejecutan a lo largo de las columnas de la entrevista debe ser fuerte y si la entrevista es para correr en una página de características, una docena de fotos francos que muestra el sujeto como él habla pueden acompañar. Que se desea capturar sus gestos y expresiones faciales mientras hace sus puntos principales. Una serie de flashes de apagarse en su cara inhibiría sus gestos inconscientes e incluso podría hacerle olvidar lo que quiere decir. Fotografía con poca luz es la respuesta. Si es posible, se debe asentarse el sujeto en el fondo y la luz son los mejores.

Con las asignaciones de funciones de un fotógrafo necesita los reflejos agudos perfeccionado por los acontecimientos de noticias acto. El problema con las características, sin embargo, es que un fotógrafo por lo general no se puede anticipar que la asignación se llevará a cabo. No es de extrañar que muchos estudiantes universitarios fotografía a menudo se quejan de que no pueden encontrar imágenes de características significativas de fotografiar.

asignaciones de funciones son por lo general los autogenerados. editores de fotos, sin otras tareas, le dirá al fotógrafo para disparar «arte salvaje» o «una imagen colorida de la empresa para la página 1.»

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: Introducción a la Fotografía

Un fotógrafo ordinaria podría conducir a un parque público y capturar las escenas habituales: un niño monta un columpio, una mujer joven lee un libro, y dos hombres hablar en un banco. Estas imágenes son creadas para mostrar a los lectores que no es más que el clima era agradable y la gente disfrutó del día.

Un fotógrafo más madura anticipa la necesidad de una imagen característica por el editor de fotos y ya ha explorado un área de la ciudad o un tema en particular que es visualmente interesante y llena de contenido significativo.

características de Interés Humano muestran personas ser natural y único. Las imágenes no se pueden anticipar. Se trata de uno de los momentos en especie que capturan a una persona o grupo de ser ellos mismos: impares, buen humor, y naturales. lindo de los niños, los animales y las monjas están sujetas clichés tradicionales.

Características ofrecen la oportunidad de una página que se resalta con un agradable, imagen feliz que pueden compensar los trágicos acontecimientos del día. Un fotógrafo en busca de características de interés humano piensa como un cazador. Muy consciente y observador, bien informado sobre asuntos de la naturaleza humana básica, tranquilo y sin pretensiones, y técnicamente competente para capturar los momentos más rápidas y fugaces, el fotógrafo acecha a la ciudad en busca de imágenes que van más allá del cliché.

Los fotógrafos tienen varias técnicas que utilizan para tomar imágenes de personas. Algunos utilizan un 35mm. objetivo gran angular y acercarse a sus sujetos. Otros utilizan teleobjetivos para mantener una distancia lejana y sin ser detectados a partir de sus materias. O bien se identificarán inmediatamente o esperar hasta que el sujeto le pide una explicación.

Hay dos cosas que suceden cuando se pide a una persona si se puede tomar una foto y dos de ellos son malos. Cualquiera de ellos dicen que no y que no reciben la imagen o dicen que sí y miran y sonríen como si estuvieran posando para una foto. Cuando vea alguna acción inusual, obtener una imagen inicial. Después, se puede identificar a sí mismo, que sus nombres, y tomar fotografías adición después de que se acostumbren a su presencia.

El otro tipo de imagen pictórica característica es la tan denostada. Tradicionalmente, el pictórica es una silueta de dos de pie, amantes brazo-en-brazo al atardecer. Revistas ilustradas se basan en los elementos gráficos de composición y la iluminación más de la materia. Muchas veces las características pictóricas imágenes, cuando se combina con el diseño de la página negrita diseño, pueden educar a los lectores poco sofisticados a las formas artísticas y las características de iluminación dentro de su mundo. Formas y sombras nunca debe distraer a un

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Introducción a la Fotografía

reportero gráfico. expresión artística personal en forma de imágenes pictóricas característica tiene un lugar limitado en la cartera del fotógrafo. Es mucho mejor para tomar fotografías que combinan las cualidades visuales sorprendentes de lo pictórico con momentos de interés humano.

4.3. revistas ilustradas

El negocio del periodismo es la comunicación. Fotoperiodismo es la comunicación a través de fotografías. Una foto del periódico debe contar la historia y contarla con claridad; de lo contrario, es perder el valioso espacio en el papel. Los periódicos dan los hechos tan pronto después del evento como sea posible, mientras que las revistas pueden esperar hasta que haya más información y tratan de dar a la historia más profundidad.

En la «edad de oro» de fotoperiodismo 1930 de 1950, algunas revistas Picture Post Londres, Paris Match Paris, Life EEUU, y Sports Illustrated USA construyeron sus grandes lectores y reputaciones en gran medida en el uso de la fotografía y fotógrafos como Robert Capa, Alfred Eisenstaedt y W. Eugene Smith se convirtieron en nombres muy conocidos.

SharbatGula, ayoungAfghanrefugeephotographedbySteve

McCurry, se convirtió en un símbolo de la década de 1980; la foto apareció en el

De junio de de 1985 portada de la revista National Geographic.

Hasta la década de 1980, la mayoría de las grandes revistas se imprimieron con la tecnología de finales de siglo “tipografía” con tinta a base de aceite fácilmente manchado,, de baja calidad “papel prensa” de color blanquecino

papel, y las pantallas de grabado gruesas. Mientras tipográficas producen texto legible, los puntos de fotograbado que se formaron imágenes a menudo sangrado y con manchas, y se convirtieron difusa e indistinta. De este modo, incluso cuando las revistas utilizan fotografías así -una buena cosecha, un respetable turbia tamaño-

reproducción lectores a menudo se dejan relectura el título para ver lo que la foto era todo. No fue hasta la década de 1980 tenían una mayoría de revistas cambiado a “compensar” Prensas

que reproducen fotos con fidelidad en un mejor papel, más blanco.

Por el contrario la vida, una de las revistas semanales más populares de Estados Unidos desde 1936 hasta principios de 1970, estaba llena de fotografías reproducidas bellamente en 11 × páginas de gran tamaño de 14 pulgadas, utilizando pantallas finas grabado, tintas de alta calidad, y el papel satinado. La vida a menudo publicó una foto UPI UPI) o Associated Press AP) que había sido reproducido por primera vez en pers NewSpa, pero la versión de revista de calidad que parecía ser una foto diferente.

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: Introducción a la Fotografía

En gran parte debido a que sus fotos eran lo suficientemente claro para ser apreciado, y porque su nombre aparecía siempre con su trabajo, los fotógrafos de revistas

alcanzado un estatus casi celebridad. La vida se volvió un estándar por el cual la fotografía al público juzga, y muchos de los libros de fotos de hoy celebrar “fotoperiodismo”, como si

había sido exclusivo de los fotógrafos de revistas casi celebridades.

El mejor de la vida 1973, por ejemplo,    se abre con una foto de grupo de dos páginas 1960

39 fotógrafos de la vida justamente famoso. Pero 300 páginas más adelante, créditos de las fotos revelan que las puntuaciones de las fotos entre la vida del “mejor” fueron tomadas por el anonimato UPI y AP

fotógrafos.

4.4. FOTOCROMÍA

Fotocromía es la fotografía que utiliza medios capaces de preservar los colores y se produce químicamente durante la fase de procesamiento fotográfico. A menudo se contrasta con la fotografía en blanco y negro, que utiliza los medios de comunicación que sólo son capaces de mostrar tonos de gris y no incluye fotografías coloreadas a mano. Algunos ejemplos de la fotografía en color incluyen: copias, los negativos de color, transparencias es decir diapositivas en color de 35 mm, rollos de película y películas en hojas.

La primera película en color ‘integrado -pack tri’ moderna, Kodachrome, se introdujo en 1935 en base a tres emulsiones coloreadas. La mayoría de las películas en color modernos, a excepción de Kodachrome, se basan en la tecnología desarrollada para Agfacolor. En esta nueva tecnología, acopladores de tintes cromogénicos que ya se encuentran dentro de las capas de emulsión, en lugar de tener que ser difundido cuidadosamente durante el desarrollo. la película de color instantánea fue introducida por Polaroid en 1963.

Hay básicamente dos sistemas de color:

• Aditivo: Los colores se añaden como luces de colores. En este sistema, el sistema más común de los colores primarios es de color rojo, verde y azul. El experimento de Maxwell era de este tipo, como lo son los métodos de pantalla de placa, tales como Autochrome. fotografías digitales modernas visto en un VDG también son vistos por la adición de la luz de una matriz de fósforo RGB.

• sustractivo: Los colores se restan de luz blanca por colorantes o pigmentos. En este sistema, el sistema más común de los colores primarios es cian, magenta y amarillo. Ducos du Hauron hizo varias fotos por este método a finales de 1800.

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: Introducción a la Fotografía

Varios métodos de impresión comercial se diseñaron utilizando la técnica de sustracción durante la década de 1930, para la impresión desde ‘negativos de separación. Kodachrome fue la primera película disponible en el mercado ‘tri-pack integrado’ de este tipo.

Hay dos tipos principales de la película en color de uso corriente:

• la película negativa de color forma una imagen negativa cuando se expone, que se fija durante el revelado. Esto se expone entonces en papel fotográfico para formar una imagen positiva.

• película reversible de color, También conocida como película de diapositivas, forma una imagen negativa cuando se expone, que se invierte a una imagen positiva durante el revelado. La película entonces puede ser proyectada en una pantalla.

Sin embargo, es importante entender que los materiales fotográficos de color no son permanentes y por naturaleza es inestable. fotografías en color cromogénicos, por ejemplo, se componen de amarillo, magenta, y colorantes orgánicos cian que se desvanecen a diferentes velocidades. Aun cuando en el almacenamiento oscuro y cerrado en los materiales de archivo adecuados, el deterioro es inevitable, pero la decoloración, cambio de color y decoloración puede prolongarse cuando se les da la atención adecuada conservación. La fotografía en color puede formar imágenes como una transparencia positiva, destinado a ser utilizado en un proyector de diapositivas o como negativos en color, destinados a ser utilizados en la creación de ampliaciones de color positivos en papel con un recubrimiento especial. Este último es ahora la forma más común de la película no de color -digital photography debido a la introducción de equipos de impresión de fotos automatizado.

4.5. Impacto de la tecnología

Los reporteros gráficos no son sólo los historiadores sociales con una cámara, que son los técnicos competentes, que deben mantenerse al tanto de la evolución de la tecnología y las consideraciones éticas aceptables asociados con esa tecnología. En la década de 1940, era éticamente aceptable para plantear muchos temas porque la tecnología comúnmente aceptada del día, la incómoda 4 X 5 cámara de prensa con un flash portátil, era un pobre grabador del momento de sinceridad. Además, sin una casete de película de 36 exposiciones, los fotógrafos se vieron obligados a hacer el recuento de cada imagen.

Los fotógrafos utilizan comúnmente de cultivo, exposición, el contraste, esquivando, y técnicas de quema en el cuarto oscuro para que el significado de una imagen más clara. El recorte puede llevarse a cabo durante el disparo por la elección de la lente, la distancia del sujeto o ángulo elegido, en el cuarto oscuro cambiando la altura de la imagen ampliada o

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: Introducción a la Fotografía

mover las palas de un caballete ajustable, o marcando los bordes blancos de una impresión para mostrar el área de la imagen final, impreso. Con manipulaciones en la abertura y la velocidad de obturación combinaciones o el uso de filtros cuando se dispara, los tiempos y temperaturas en el tratamiento de la configuración de la película, de apertura y el tiempo con una ampliadora, y selecciones de filtro o grado de papel en el cuarto oscuro, los fotógrafos pueden alterar los tonos originales de la escena dramática. Al impedir que la luz de la exposición en un área determinada de una impresión con una herramienta o con la mano, la zona puede ser «esquivo» que aparezca a ser más ligero. Por el contrario, mediante la adición de más luz a un área específica, la impresión parece ser más oscuro o «quemado». Dodging y la quema también se pueden lograr con desarrollador concentrada o blanqueadores químicos.

Algunos fotógrafos han recurrido a una técnica sencilla de manipular una imagen tirarse. Un negativo se gira boca abajo en el soporte ampliadora para producir una imagen que se invierte, o se dejó caer. A veces el ángulo de la cara o de la mano de un sujeto se ajusta a un esquema de trazado más agradablemente si el ángulo se invierte como si se viera en un espejo. La práctica es peligrosa porque las personas diestras pueden hacerse aparecer zurdo, un anillo de bodas se ve en la mano derecha, y las palabras de la imagen se invierten. Los fotógrafos deben notar los mejores ángulos durante la filmación sin recurrir a tirarse un negativo.

Con la tecnología informática, las manipulaciones de imagen citados aquí son posibles sin tener que entrar en un cuarto oscuro. Periódicos y agencias de noticias nacionales están experimentando con tecnologías que en pocos años se piensa comúnmente como el estándar de la industria. Si un sujeto se fotografía con película negativa o por las cámaras de vídeo fija electrónicos donde los fotógrafos son capaces de grabar sus imágenes en un disco de 2 pulgadas, las imágenes pueden ser convertidos en imágenes computarizadas, digitales. El fotógrafo puede entonces realizar la exposición, balance de color, y los ajustes de cultivo en un televisor o pantalla de ordenador, información de tipo de subtítulos, y enviar sus palabras y fotografías a través de una línea telefónica al terminal de ordenador del editor de imágenes. Una vez en el ordenador de la sala de redacción, las imágenes se pueden preparando para el proceso de impresión.

El editor de fotos puede hacer correcciones de la exposición, color y cultivo. separaciones de color controlados por ordenador y luego se realizan automáticamente con las imágenes listas para la imprenta. En la actualidad, la nueva tecnología ahorra tiempo, sin embargo, es caro con la calidad no es tan alta como la actualidad, los métodos tradicionales. Pero el día en que la tecnología se convierte en asequible para incluso los programas universitarios de fotoperiodismo.

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ntroducción a la Fotografía

Hay ciertos principios que deben permanecer constante a pesar de los avances tecnológicos. El principio rector para tales manipulaciones siempre debe ser el contenido de la fotografía. Es el contenido o la intención de la imagen alterada drásticamente por la manipulación? ¿Un ajuste de la exposición, ángulo o cambio de perspectiva, de cultivo estrecha, corrección de color, selección de filtro, se dejó caer negativo, o un área esquivado o quemado confundir a un lector? Si la respuesta es sí, no debería ocurrir la manipulación. Ya sea por métodos tecnológicos nuevos o tradicionales, el principio fundamental de no engañar al público nunca debe ser comprometida. Credibilidad forma la distinción entre una crónica respetado de los mejores y peores momentos de una comunidad y un tabloide.

Un reportero gráfico módem es una mezcla de reportero, artista y artesano. Se espera que un fotógrafo para determinar de 1 / 500th de un segundo, si un sujeto es de interés periodístico, estéticamente agradable, y técnicamente posible registrar en la película. Asignaciones durante cualquier cambio se puede ejecutar desde la cobertura de un incendio de cinco alarmas a una reunión con el gobernador. En consecuencia, los reporteros gráficos deben estar bien educados, curioso, y la calma bajo situaciones de estrés. Los fotógrafos también tienen que ser humanas, el cuidado de personas conscientes de las muchas preocupaciones éticas que son parte de cualquier asignación de prensa.

Técnicas de iluminación 4,6 FOTOGRAFÍA

Una de las cosas más difíciles de conseguir justo en una fotografía es la iluminación. El exceso de luz, muy poca luz, o una combinación de los dos puede arruinar una foto de otra manera perfecta. Pero, por suerte, este problema puede ser resuelto si usted entiende los tipos de iluminación, cómo afectan a su cámara y lo que usted puede hacer para utilizar estos efectos a su ventaja completa.

1. Luz de fondo

La retroiluminación es como suena: la luz que viene de detrás del sujeto. Esto puede hacer una hermosa foto, o convertir una hermosa foto en un desastre. La retroiluminación es lo que convierte una palmera en una silueta contra la puesta de sol. En este caso, es una buena cosa que se suma a la fotografía. Sin embargo, lo mismo puede suceder si usted quiere tomar una fotografía de una persona que tiene una fuerte luz de fondo detrás de ellos, tales como el sol, el cielo, o las luces brillantes. La cámara lee el brillo detrás del sujeto principal y establece su contador interno para exponer correctamente la luz adicional. Esta

subexpone su tema y por lo general se convierten en una silueta. Esto se puede evitar mediante el uso de un flash de relleno. Un flash de relleno “llenar” a la luz necesaria, persiguiendo

distancia entre las sombras de su sujeto causadas por la luz brillante detrás.

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ntroducción a la Fotografía

2. La iluminación lateral

La iluminación lateral puede tener un efecto muy drástico en sus fotos, también. Pero, a diferencia de retroiluminación, su brillo viene desde la derecha oa la izquierda de su tema. Esto tiende a emitir un lado en la oscuridad total, mientras que poner el otro en la luz del punto. Esta es una maravillosa manera de conseguir un misterioso, foto retrato dramático. Pose el sujeto delante de una ventana, con una de sus hombros cerca de la ventana. La cámara expondrá adecuadamente para el lado brillante y por lo general fundido al otro lado de la cara en completa oscuridad. Si, por el contrario, desea un retrato natural que usted puede usar algo para reflejar la luz sobre el lado oscuro de la cara. Una cartulina blanca u otra superficie reflectante de la luz puede rebotar suficiente luz de nuevo en el sujeto para suavizar el efecto de iluminación lateral.

3. luz difusa

A veces, la iluminación desde cualquier dirección es demasiado dura. Esto es cuando se quiere suavizar la luz entrante, para quitar algo del contraste para una fotografía más agradable. la luz del sol al mediodía es el peor tipo de luz para la fotografía. Los colores claros son lavados y las sombras contrastantes son demasiado oscuras. Para evitar esto, esperar a que el sol para ir detrás de una nube o si el sujeto es móvil, los puso en la sombra de un árbol o edificio y tomar la foto allí. La luz será mucho más natural aquí y se traducirá en una mejor foto. Si no es posible mover el sujeto, y no hay una nube a la vista, a veces se puede hacer su propia sombra con un paraguas o algún objeto similar. O, volver por la mañana o por la tarde cuando el sol está más bajo el cielo.

4. La iluminación artificial

La iluminación artificial se presenta en todas las formas y tamaños. Desde un flash integrado de la cámara para las luces caros en el estudio, todos ellos tienen sus puntos fuertes y débiles.

En la cámara parpadea son simples y fáciles de usar, pero a veces hacen que el ojo rojo horrible tan común en las instantáneas. Cuanto más lejos el flash está lejos del objetivo, menos probable es que suceda esto. Otro problema con el flash de la cámara es la dura luz que arrojan sobre el tema. Si usted tiene un flash de la cámara apagada, puede rebotar la luz para un efecto más suave.

Una última cosa para recordar acerca de la luz artificial, a menos que esté utilizando película en blanco y negro, las luces interiores regulares darán a sus fotos un tono amarillo. estas luces

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2: Introducción a la Fotografía

no son el equivalente a las luces de bulbos de destello, y por lo tanto no le dará los mismos resultados.

4.7. DESARROLLO DE PELÍCULA

Duración de Desarrollo

En el cuadro de la película entró, obtener el tiempo de procesamiento de la película para el desarrollador que va a utilizar Ejemplo: el tiempo en minutos, para D de Kodak -76 a una concentración de 1 parte de la promotora a 1 parte de agua – 1: 1

cargar Cine

Alinear todo el equipo en el mostrador o mesa para un fácil acceso …. rollo de película

y el tanque de película con todas sus partes; tijeras; ganchos del tipo de abridor de botellas. Recuerde, que va a hacer la carga de la película en completa oscuridad-no hay luces de seguridad!

No toque la superficie expuesta de la película con los dedos. No importa qué tan limpio que piensa que pueden ser sus dedos, no hay aceite en la piel que va a marcar su película. Si su no deben tocar la película, sujete suavemente a través de la parte ancha de la película con los dedos pulgar e índice.

Apagar las luces del cuarto oscuro, y luego saque el extremo plano de la revista de cine de 35 mm con un tipo gancho abrelatas. Empuje la película con cuidado de la revista, empujando el extremo del eje de la revista. Con las luces todavía fuera,

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Introducción a la Fotografía

localizar sus tijeras y cuidadosamente cortar el líder cónico, a continuación, cortar el extremo de la película a un arco suave e inserte el extremo en la película de carrete desarrollo hasta los piñones de la película están firmemente comprometidos por los rodamientos de bolas del carrete.

cubeta y carretes son de plástico y son hechas por «Paterson» … la carga de la película es fácil, – todavía en completa oscuridad, manivela los 2 lados de la bobina de un lado a otro en direcciones opuestas, hasta que la película está completamente introducido en el carrete. Su tipo de carrete puede ser diferente – leer las instrucciones que vienen con el producto.

Una variación de este proceso es el siguiente …. durante el rebobinado, se puede sentir cuando

la película se desprenda de la cámara de carrete de recogida – detener el rebobinado en este punto, el líder de su película todavía sobresale de la revista de cine. Tener el líder accesibles en lugar de la herida de nuevo en la revista que permite la ventaja de comenzar la película en el carrete de desarrollo, mientras que la luz de la habitación todavía está encendido. Como se mencionó anteriormente, corte el líder cónica con unas tijeras, y luego cortar el extremo de la película a un arco suave. Con la luz de cuarto oscuro en pie, enganchar las perforaciones de arrastre de película en los rodillos.

Apagar todas las luces, incluyendo luces de seguridad

Ahora se encuentra en la oscuridad total. Ahora que tiene el extremo delantero de la película dedicada a la bobina de desarrollo manivela los 2 lados de la bobina desarrollo de ida y vuelta en direcciones opuestas, parando de vez en cuando para tirar unos cuantos pies de película de la revista no deje que el toque de cine nada, suelo, etc., como se va a terminar con el polvo en la superficie de la película) y luego retomar girar el carrete hasta que la película está completamente dibujado en. Cuando se llega al final del rollo, mientras que aún en la oscuridad, encontrar sus tijeras , y la sensación para la unión del extremo de la película y la revista, cortar a través de la película para liberarla de la revista. Girar el carrete un poco para asegurar que el extremo de la película es en el carrete.

Cuando haya completado la carga de la película sobre el carrete de desarrollo, colocar el carrete de película correctamente en el tanque de desarrollo, para garantizar que todas las partes están en el lugar adecuado junta etc .. Una vez que el tanque es hermética a la luz se puede encender la luz de la habitación y ya está listo para proceder con el desarrollo.

Productos Químicos medida

Normalmente 10 onzas de producto químico, por rollo

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: Introducción a la Fotografía

Medir los productos químicos necesarios …. Sus instrucciones sobre cisternas deben darle el

correcta volumen de la química que se requiere. Por lo general, la película se desarrolla en el revelador de la película D-76 de Kodak diluido a una concentración de 1: solución madre 1 1 parte 1 parte de agua – esto da una imagen de grano más fino). Diluir el baño de parada en aprox. 01:31 amarillo pálido si está utilizando «indicador» baño de paro y una dilución 1: 4 para su fijador. generalmente medimos a cabo 10 onzas de cada solución que se utilizará en el proceso y les verter en 3 tarros para que estén listos para su uso desarrollador, baño de paro, fijador).

La temperatura correcta

Asegúrese de que todos los productos químicos son a 20 grados Centígrados 68 grados Fahrenheit. El más crítico aquí es el desarrollador – los otros productos químicos pueden ser unos pocos grados por encima o por debajo. Si el desarrollador está por encima o por debajo de la marca de 20 grados centígrados, es posible ajustar el tiempo de desarrollo de 30 segundos para cada diferencia grados centígrados.

Ejemplo: Si su temperatura es de 21 grados, luego restar 30 segundos de su tiempo total de desarrollo – Si su temperatura es de 19 grados, y luego añadir 30 segundos a su tiempo total de desarrollo. Esta compensación será eficaz en el intervalo de 17 grados a 23 grados centígrados.

Start para el desarrollo

Comience el temporizador y rápidamente verter el revelador en el tanque, apriete la tapa y dar a la parte inferior del tanque 2 golpes firmes sobre una superficie dura … esto va a eliminar burbujas de aire que se unen a la superficie de las películas.

Agitación

Si usted tiene un tanque que puede ser invertida sin la solución se derrame fuera …. agitar,

de forma continua durante el primer minuto del proceso de desarrollo mediante la inversión del tanque de ida y vuelta, el intervalo de Inversión de aprox. 1 segundo, luego agitar durante 5 segundos a intervalos de 30 segundos hasta el último minuto del desarrollo en el que volverá a agitación continua durante el resto del tiempo de desarrollo. Entre los intervalos de agitaciones, girar el tanque de media vuelta, – esto ayudará a asegurar un desarrollo uniforme.

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Introducción a la Fotografía

Si el tanque no puede ser invertida, agitar deslizando el tanque de ida y vuelta sobre una distancia de aproximadamente 10 pulgadas a una velocidad de dos ciclos por segundo durante los intervalos de agitación. Girar el tanque a través de aproximadamente la mitad a su vez entre los intervalos de agitación.

Cada uno tiene sus propias peculiaridades particulares en la forma en que desarrollan su película. Las personas agitan su película durante el desarrollo más o menos vigor o más o menos frecuencia de lo que podría hacerlo. Por lo tanto, sus negativos no serán los mismos que los suyos. La mejor manera de obtener la consistencia es utilizar el mismo tipo y la velocidad de la película durante unos meses y siempre desarrollar la película exactamente lo mismo! A continuación, debería terminar con los negativos que son bastante cerca uno del otro en la densidad.

Demasiada agitación = negativos más oscuros desarrollo excesivo y también rayas en los negativos.

Demasiado poca agitación = en fase de desarrollo negativos más ligeros

Desarrollo fin

Cinco segundos antes de que termine el tiempo de desarrollo, quitar el tapón del tanque del tanque todavía tiene una parte superior y sigue siendo a prueba de luz, y volcar toda la solución en el lavabo o en un dispositivo de recuperación de plata si lo tiene.

Baño de paro

Vierta inmediatamente en el baño de paro y agitar continuamente durante 30 segundos. … verter y desechar.

Fijador – también llamado Hipo

Añadir fijador ….. agitar continuamente durante los primeros 30 segundos, y luego en 30 segundos

intervalos de 3 a 5 minutos con un fijador hecho de concentrado líquido, diluido a 1: 4. Una vez finalizada la fijación, se vierte el fijador en una jarra de plástico que se ha etiquetado como «fijador de trabajo». Este fijador puede ser utilizado para documentos de fijador y se puede utilizar una y otra vez antes de que se agotará. Fijador va a durar unos 6 meses en una botella con tapón medio lleno.

Enjuague con agua – Si con el programa opcional, Hypo Clearing agente)

Enjuague la película en el tanque con agua corriente a 65 a 75 F durante 30 segundos.

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Introducción a la Fotografía

Perma Lávese o Agente de Compensación Hypo

Añadir solución Hypo Clearing Agente diluido 1: 4 y agite durante los primeros 30 segundos y luego a intervalos de 30 segundos durante 1 a 2 minutos. Ver lavar los tiempos de duración en el siguiente paso.

Lavado con agua

Retire la parte superior del tanque y llene el tanque con agua corriente de 65 a 75 F y dejar que el desbordamiento de agua.

Duración lavar si no se usa Perma Lavar o limpiar Hypo agente- 20 a 30 minutos en agua que es lo suficientemente rápido para proporcionar un completo cambio de muy minutos con agua corriente. la duración de lavado después de usar cámara de compensación hipo perma lavar – 5 minutos – cada vez que el chorro de agua se desborda del tanque, se descarga y luego dejar que se vuelva a llenar de nuevo.

Agente humectante

Cuando se termina de lavar, añadir 2 gotas de la «Kodak Photo-Flo» al tanque lleno de agua …. agitar durante 5 segundos y dejar en la solución durante 30 segundos. Eliminar de

carrete y colgar en una zona libre de polvo para secar durante la noche. Foto -Flo es importante, si no lo utiliza, usted puede terminar con manchas de agua en su película seca.

Se seca el Cine

Colgar la película en una zona sin polvo de su cuarto oscuro durante la noche utilizando abrazaderas de plástico.

4.8. PAPEL FOTOGRÁFICO

papel fotográfico es papel recubierto con productos químicos sensibles a la luz, que se utiliza para hacer impresiones fotográficas. papel fotográfico se expone a luz de una manera controlada, ya sea mediante la colocación de un negativo en contacto con el papel directamente para producir una impresión de contacto, mediante el uso de una ampliadora a fin de crear una imagen latente, exponiendo en algunos tipos de la cámara para producir una negativo fotográfico, mediante el escaneo de una fuente de luz modulada sobre el papel, o mediante la colocación de objetos sobre ella para producir fotogramas. papeles fotográficos se desarrollan posteriormente utilizando el proceso de gelatina y plata para crear una imagen visible.

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Introducción a la Fotografía

Lo más probable es negativo en cada un rollo de película no siempre va a ser perfecto. Como cuestión de hecho, probablemente sólo 3 o 4 imágenes en un rollo de 24 serán dignos de ser impresa sobre una hoja de papel sensible a la luz caro.

Los fotógrafos profesionales y los estudiantes a menudo toman un enfoque alternativo, que acaba de imprimir cada fotograma en un rollo de película. Ellos harán una hoja de contactos de una manera selectiva elegir la imagen que más les gusta.

Todos los documentos están luz que son sensibles a la luz, se parecen mucho a la película. Tienen varias capas, y la más importante es la capa sensible a la emulsión o la luz. Papel, sin embargo, por lo general es de color blanco; esto es proporcionado por la base. La base da el apoyo otras dos capas y diferencia de la película hace que un fondo sólido en lugar de un fondo transparente. El documento está protegido por una cubierta de recubrimiento súper gelatina que protege la emulsión de arañazos y los productos químicos.

Hay dos tipos principales de papel. En primer lugar hay una fibra a base. de papel a base de fibra dio la vuelta antes que el otro tipo llamado Resing revestido. Debido a productos químicos de procesamiento se absorben en el papel, aclarado y secado tarda de 4 a 5 veces más largo que los papeles RC. artículos basados en fibra son a menudo no brillante. Esto significa que hay poco o nada de brillo a la impresión final.

Por otro lado papeles recubiertos de resina son menos delicados y pueden ser procesados mucho más rápido y tienden a tener una vida más larga. Ambos tipos de documentos son empaquetados y apoyado por muchos proveedores, incluyendo Kodak, Ilford, Agfa y Oriental. El papel que va a utilizar tendrá que ser decidido por el contraste de impresión deseada y la calidad.

Papel tiene una clasificación utilizando tres variables. Estas variables se determinan por la superficie, el peso, y el contraste.

La superficie varía de lisa y brillante a altamente texturado. Una superficie lisa es brillante o brillante, mientras que una superficie con textura tiene un aspecto mate. Las muestras de fotografía acabados de papel están disponibles en casi cada fotografía tienda al por menor.

El peso corresponde al grosor del papel. papel a base de fibras por lo general viene en solo peso y el doble de peso. La mayoría de las impresiones realizadas en un documento basado en fibra son solo peso. papeles RC, sin embargo, son de peso medio. papel de peso doble se asemeja a la rigidez del cartón y es más caro que solo peso.

La mayoría de los documentos están disponibles en varios grados de contraste para compensar los negativos menos que perfecto. Mediante el ajuste de la hora de impresión y mediante el uso de filtros de contraste, es

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Introducción a la Fotografía

a menudo posible hacer una impresión perfecta con un negativo no tan perfecta. Como el valor de grado aumenta el intervalo entre las disminuciones en blanco y negro. Comúnmente documentos están disponibles en 5 grados diferentes.

Algunos papeles especiales llamados papeles de-gradación variable están disponibles. Estos tipos son a menudo utilizados por los principiantes, ya que son los más indulgentes. Que permiten la manipulación de contraste a través del uso de filtros de color. Estos papeles se recubren con dos capas de emulsión. La primera capa es equivalente a un papel de grado 1 y el segundo es equivalente a un papel de grado 4. El primer grado es muy sensible a la luz amarilla. La figura 4 es sensible a una luz de color púrpura. Los filtros tienen un cierto matiz que pasa más o menos luz a una determinada capa, haciendo más o menos contraste.

Cuando vaya a guardar el papel, siempre asegúrese de que está muy lejos de cualquier tipo de luz. Si se mantiene en el sobre fabricante, asegurarse de que siempre está sellado fuera del cuarto oscuro. También la temperatura es muy crítico en la preservación de la calidad del papel.

4.9. Productos químicos y equipo

Si tiene intención de hacer una hoja positiva o impresiones agrandadas de los negativos, necesita productos químicos para desarrollar y fijar su imagen almacenada en el papel fotográfico. También necesita ciertas piezas básicas del equipo y una ampliadora.

Los productos químicos que se necesitan son muy parecidas a una película químicos. Un desarrollador, parada baño, y se requieren fijador para que la imagen latente aparece en el papel expuesto. Si se olvida de la sección anterior película, un desarrollador convierte los cristales de haluro de plata expuestos oscuro. Una parada de baño neutraliza ese proceso, y un fijador de toma esos cristales y los congela y hace que la imagen permanente. Si deja la imagen en desarrollo en el fijador durante demasiado tiempo, que comenzará a blanquear la imagen de salida.

El equipo básico son pinzas, bandejas, termómetro, rasqueta de impresión, vidrio de contacto de impresión, equipo de espolvoreo, portador negativo, contador de tiempo, filtros de contraste, luz de seguridad, y la ampliadora.

Consejos rápidos para desarrollar Imprimir fotografías

La fotografía tiene muchas maneras diferentes de expresar una opinión sobre el mundo. Algunos están expuestos a la luz, algunos son imágenes en color y otros se puede hacer en blanco y negro. Pero el favorito de este escritor es en blanco y negro imágenes. Hay algo

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Introducción a la Fotografía

clásica y elegante de una foto en blanco y negro. Tomar y revelar una imagen en blanco y negro es también muy creativa debido a la escala de grises que tiene que seguir y la mezcla de las sombras. Se le permite, como el artista para elegir cómo quiere que su imagen para llegar.

Hay muchos pasos que debe seguir para asegurarse de que su imagen no quede expuesta a la luz. Si lo hace, todas las fotografías que tomó se han ido y que terminan con cuadrados negros solo.

1. Coloca el cine, ya sea en una bolsa de color negro o caja y abrirla en el tono negro.

2. Colocarla en el depósito girando la parte superior para asegurarse de que esté bien seguro.

3. Verter y mezclar el desarrollador dentro del tanque con la película.

4. Retire el desarrollador después de que el tiempo se ha acabado.

5. Verter baño de paro en el tanque. Deja baño de paro en unos 30 segundos, no importa qué tipo de película que es.

6. Después de verter el baño de paro lugar del vertido en el fijador.

7. Cuando se quita el fijador puede quitar la tapa del tanque; la película puede ser a la luz ahora sin volverse negro.

8. Coloque la película en agua corriente para enjuagar los productos químicos.

9. Coloca el cine en Photo-flujo para eliminar manchas o huellas digitales que haya realizado mientras ve la película.

10.Hang a secar. Incluso cuando se desarrolla la película todavía tiene que aumentarla en un papel fotográfico. Hay máquinas, que le ayudan a enfocar la imagen en caso de que la foto que tomó estaba fuera de foco. Además, si desea añadir o quitar luces hay tiras de filtros se pueden utilizar. Ellos aclarar u oscurecer la imagen, lo que añade un buen efecto. Además, si desea añadir otro efecto sólo puede tomar una foto con papel fotográfico. Encuentra cosas que considere que se ven bien como fondo. Ponen sobre el papel y encender las luces y luego dar vuelta rápidamente apagado. Desarrollar el papel y tendrá huellas blancas de lo que puso sobre el papel.

En el cuarto oscuro que no son sólo desarrollando una foto, sino también la creación de una auto-expresión de usted o la persona que tomó en una foto.

RESUMEN

Fotografía es la técnica de grabar imágenes por medio de la captura de la luz en un medio sensible a la luz, tal como un sensor o película. Patrones de luz reflejada o emitida desde los objetos se registran en un chip de medio de almacenamiento o sensible a través de un temporizado

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Introducción a la Fotografía

exposición. El proceso más común se realiza a través de dispositivos mecánicos, químicos o digitales conocidas como cámaras.

La Cámara es el dispositivo de formación de imágenes, y la película fotográfica es el medio de grabación. Una cámara funciona un poco como el ojo humano, la captura de la luz reflejada por los objetos ya través de un lente de la cámara y enfocar los rayos de luz en una imagen. Tradicionalmente cámaras graban la imagen en una placa. Más recientemente, mediante el desarrollo de chips de computadoras, muchas cámaras capturan sus imágenes en un chip de ordenador.

Fotografía se practica a nivel profesional para el retrato y para diversas aplicaciones comerciales e industriales, incluyendo la preparación de imágenes para la publicidad, la ilustración, la pantalla y el mantenimiento de registros. Fotografía de prensa es para periódicos y revistas ilustraciones de eventos y objetos de uso tópico. Fotografía se utiliza en varios niveles en las artes gráficas para convertir fotografías originales u otras ilustraciones en placas de impresión para una reproducción de alta calidad y en cantidad. fotografía industrial incluye la generación y reproducción de dibujos de ingeniería, fotografía de alta velocidad, y muchas otras formas de fotografía técnica, que puede ayudar en el desarrollo, diseño y fabricación de diversos productos. La fotografía aérea se utiliza para la investigación militar y la cartografía, la cartografía civil, la planificación urbana y carretera, y las encuestas de los recursos materiales. fotografía biomédica se utiliza para revelar o grabar estructuras biológicas, a menudo de importancia para la investigación médica, el diagnóstico o el tratamiento. Fotografía se utiliza ampliamente en la preparación de diapositivas de proyección y otras pantallas para la enseñanza a través de la educación visual.

Fotocromía fue explorada a partir de mediados de la década de 1800. Los primeros experimentos en color no podían fijar la fotografía y evitar que el color de la decoloración. La primera foto de color permanente fue tomada en 1861 por el físico James Clerk Maxwell. Maxwell hizo contribuciones a la zona de la óptica y la visión del color, se le atribuye el descubrimiento de que podrían formarse fotografías en color usando filtros rojo, verde y azul. Tenía el fotógrafo Thomas Sutton fotografiar una cinta de tartán tres veces, cada vez con un filtro de color diferente sobre la lente. Las tres imágenes fueron desarrollados y luego proyectan en una pantalla con tres proyectores diferentes, cada una equipada con el mismo filtro de color que se utiliza para tomar su imagen. Cuando se pone en foco, las tres imágenes formaron una imagen a todo color. Las tres placas fotográficas ahora residen en un pequeño museo en 14 India Street, Edimburgo,

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: Introducción a la Fotografía

Imagen digital está reemplazando rápidamente a la fotografía de película en los mercados de consumo y profesional. cámaras de apuntar y disparar digitales se han convertido en productos de consumo generalizados, vendiendo más que las cámaras de película, y que incluyen nuevas características como el vídeo y grabación de audio. Kodak anunció en enero de 2004 que ya no produciría cámaras recargables 35 mm después del final de ese año. Esto fue interpretado como una señal del fin de la fotografía de la película. Sin embargo, Kodak era en ese momento un jugador menor en el mercado cámaras de película recargable. En enero de 2006, Nikon hizo lo mismo y anunció que van a parar la producción de todos menos dos modelos de sus cámaras de película: la gama baja Nikon FM10, y la gama alta de Nikon F6. El 25 de mayo de 2006, Canon ha anunciado que dejará de desarrollar nueva cámara réflex de película.

fotoperiodismo es una forma particular de periodismo de la recolección, edición y presentación de material de prensa para su publicación o difusión que tes CREA imágenes con el fin de contar una historia de noticias. En la actualidad se entiende generalmente para referirse sólo a imágenes fijas,

y en algunos casos hasta de vídeo usado en el periodismo televisivo. Fotoperiodismo puede caer bajo de todos los sujetos de la fotografía, pero la imagen tiene que ser prolijo noticias para terminar

de ser publicados.

Composición, El acto de componer la imagen en el visor, es un proceso visual de la organización de los elementos y detalles individuales de una escena en una disposición equilibrada y agradable. Porque lo que una sola persona se encuentra agradable, otra persona no lo hará, la composición es en gran medida una cuestión de gusto personal. No hay manera correcta o incorrecta composición en la fotografía. Una composición que transmite significado previsto de un fotógrafo es uno efectivo. Una composición que no lo hace, o que confunde al espectador no lo es. Composición en la fotografía tiene que ver con la organización de los elementos en sus fotos para un máximo impacto.

edición de fotos es un arte y el oficio para la comunicación efectiva con la ayuda de fotografías periodísticos por selección, de cultivo, la ampliación de la voladura, reduciendo, de tamaño, retoque, reproducción, insetting, agrupación, discotecas, etc para la presentación apelación.

ensayo fotográfico es un conjunto o serie de fotografías que se pretenden contar una historia o evocar una serie de emociones en el espectador. ensayos fotográficos van desde trabajos puramente fotográficas para fotografías con subtítulos o pequeñas notas a ensayos de texto completo con pocos o muchos fotografías que acompañan. ensayos fotográficos pueden ser de naturaleza secuencial, se van a ver en un orden particular, o pueden consistir en fotografías no ordenada que se puede ver de una vez o en un orden elegido por el espectador. Todos los ensayos fotográficos son colecciones de fotografías, pero no todas las colecciones de

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Introducción a la Fotografía

las fotografías son ensayos fotográficos. ensayos fotográficos tratan a menudo de un determinado tema o intentan capturar el carácter de lugares y eventos.

El negocio del periodismo es la comunicación. Fotoperiodismo es la comunicación a través de fotografías. Una foto del periódico debe contar la historia y contarla con claridad; de lo contrario, es perder el valioso espacio en el papel. Los periódicos dan los hechos tan pronto después del evento como sea posible, mientras que las revistas pueden esperar hasta que haya más información y tratan de dar a la historia más profundidad.

Un reportero gráfico módem es una mezcla de reportero, artista y artesano. Se espera que un fotógrafo para determinar de 1 / 500th de un segundo, si un sujeto es de interés periodístico, estéticamente agradable, y técnicamente posible registrar en la película. Asignaciones durante cualquier cambio se puede ejecutar desde la cobertura de un incendio de cinco alarmas a una reunión con el gobernador. En consecuencia, los reporteros gráficos deben estar bien educados, curioso, y la calma bajo situaciones de estrés. Los fotógrafos también tienen que ser humanas, el cuidado de personas conscientes de las muchas preocupaciones éticas que son parte de cualquier asignación de prensa.

PREGUNTAS PARA LA PRÁCTICA

1. ¿Cuál es Fotoperiodismo? Contratar los usos de la fotografía.

2. ¿Cuáles son las herramientas de la fotografía?

3. ¿Cuál es el papel del sujeto en la fotografía?

4. El trabajo de un reportero gráfico es muy difícil. Discutir.

5. ¿Cuáles son los diferentes tipos de fotografía?
6. Escribir una nota en Historia y desarrollo de la fotografía?
7. ¿Cuál es el papel de ‘visualización’ en la fotografía?

8. ¿Qué cualidades son esenciales para convertirse en un reportero gráfico?

9. Escribir notas en:

1. ensayo fotográfico

1. Característica foto

1. Impacto de la Tecnología en Fotografía

1. Técnicas de iluminación de la fotografía

1. Desarrollo película, papel fotográfico

1. Productos químicos y equipo de fotografía

1. Cuarto oscuro

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Introducción a la Fotografía

Lecturas recomendadas

1. Fotografía por Barbara London, John Upton y Jim Stone, Prentice Hall

2. Fotoperiodismo por Reuel oro Carltna)

3. Maestría en Fotografía por Reuel oro Carltna)
4. Fotoperiodismo digital mediante Balakrishna Aiyer Autores Prensa
5. Fotoperiodismo y noticias de hoy: Creación Visual Reality por Loup

Lanton Willy -Blackwell

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